Signore e signori...buonanotte

Titolo: Signore e signori...buonanotte
Regia: AA,VV
Anno: 1976
Paese: Italia
Giudizio: 4/5

Un ordinario giorno di follia quotidiana in un emittente televisiva pubblica. Si alternano sullo schermo il telegiornale, condotto da Paolo T. Fiume, e una serie di programmi che riempiono il palinsesto della rete.

 
Un fiume che con la sua corrente trascina l'Italia nel baratro in cui sembra essere sprofondata.
La Cooperativa 15 Maggio è formata da vari autori, cinque registi e dieci sceneggiatori che disegnano l'Italia di allora, purtroppo anche di oggi, con una satira pungente sulla politica.
Un film fatto di episodi molto divertenti ma anche drammatici e diversi tra loro per intuizioni, generi, messe in scena, potendo godere di alcuni tra i migliori attori italiani di sempre.
Quando si hanno a disposizione Tognazzi, Manfredi, Mastroianni, Gassman, Celi e Villaggio è impossibile sbagliare. Le malefatte del nostro paese, la corruzione, la povertà, la sete di potere, l'alto tradimento, passando dalla politica alla religione, al razzismo e alla solitudine
DA MALATA A CONVALESCENTE in cui un gruppo di amministratori imparentati tra loro obesi e squallidi intervistati dallo stesso Fiume sull'amministrazione e la corruzione di Napoli guardando la cartina finiscono per mangiarsela e rubare l'orologio al giornalista.
SINITE PARVULUS in cui viene mostrato un bambino e la sua vita nei bassifondi di Napoli in una famiglia numerosa con madre malata e padre disoccupato in cui nel tentativo di ritirare la roba stesa in balcone cadrà giù
MANGIAMO I BAMBINI in cui Villaggio interpreta un sociologo tedesco che citando Swift parlerà della teoria di disfarsi dei bambini poveri mangiandoli e creando un campo apposito per loro.
GENERALE IN RITIRATA dove il generale Tognazzi comincerà a perdere dei pezzi della sua divisa in un cesso pieno di merda. Come sentenza per la sua condotta finirà per fare una brutta fine.
DISGRAZIOMETRO dove sempre Villaggio come presentatore televisivo ci porta a visionare tre disgraziati in cui vince quello messo peggio. Il concorrente vincente finirà per esplodere.
SANTO SOGLIO in cui nella lotta per incoronare il nuovo papa, tra sotterfugi dei cardinali Piazza-Colonna e Canareggio per essere eletti nel ‘500, entrambi chiedono quel voto mancante a Manfredi caduto in disgrazia e proprio quest'ultimo con scaltrezza finirà per essere eletto e far tagliare la testa ai due usurpatori
BOMBA è insolito e ahimè anche una metafora niente affatto distante dalla realtà dove dopo un falso allarme bomba in una centrale di polizia per aumentare l'audience delle forze dell'ordine contro attentati terroristici e anarchici sovversivi, viene messa dalle stesse forze dell'ordine un vero ordigno
VESTIVAMO ALLA METALMECCANICA dove all'interno di una fabbrica un giornalista scopre che in mezzo al lavoro minorile si nasconde un nano che non riuscendo a trovare lavoro perchè adulto viene scambiato per un bambino.
ISPETTORE TUTTUNPEZZO dove Gassman e Celi, ispettore e imprenditore corrotto conducono le danze in un episodio tutto in rima con la voce narrante dello stesso ispettore
POCO PER VIVERE, TROPPO PER MORIRE dove viene intervistato un pensionato interpretato da Tognazzi che porta il giornalista nella sua vita quotidiana tra stenti e difficoltà ma tutte con il sorriso in faccia. Uno degli episodi più toccanti e meglio studiati, un reportage autentico e commovente
CERIMONIA DELLE CARIATIDI dove vediamo istituzioni sempre più vecchie e decrepite chi con il girello, chi con la bombola d'ossigeno e soprattutto comizi impronunciabili in una sorta di Parlamento rielaborato

Squirm

Titolo: Squirm

Regia: Jeff Lieberman

Anno: 1976

Paese: Usa

Giudizio: 4/5

Fly Creek, piccola cittadina tra le foreste della Georgia, paludosa e dedita alla pesca. Quando una violenta tempesta la colpisce, causando il crollo di un grande generatore di corrente, un’enorme carica elettrica penetra il sottosuolo fangoso, causando la mutazione letale di tutti i vermi che popolano la zona.

Squirm come Bug-Insetto di fuoco, condividono gli stessi anni, il film di Swarc è di un anno prima ed entrambi affondano le radici nella sci fi per diventare poi robusti caposaldi di un sotto genere che coniuga horror e eco vengeance. Quando non sono gli esperimenti dell'uomo, rimangono comunque errori legati a qualcosa che semplicemente non doveva essere lì come nel caso dell'incidente a Fly Creek nel prezioso film di Lieberman.

Una storia peraltro complessa che segue parallelamente mutazione e orda malefica di quella stirpe di 250 mila vermi presenti in scena e allo stesso tempo uno spaccato sociale tra forestieri e contadini, città e provincia. Il film venne presentato a Cannes per sottolineare la complessità dell'opera e non relegarla solo a un b movie con insetti che uccidono e basta.

Più il contesto sociale, le paure che sfociano in odio, la caratterizzazione dei personaggi e molto altro ancora salgono di livello, più il resto sembra già fatto, facendo decollare il film in un thriller complesso e ambizioso. Attraverso interviste al regista Jeff Lieberman e all'attore protagonista Don Scardino, sono raccontati diversi retroscena della realizzazione del film, inizialmente pensato per il New England, per ricalcare le atmosfere dei racconti di Lovecraft, e poi girato invece nel Sud, in Georgia, con un budget molto basso e avvalendosi della gente del posto, spesso ignara d'essere ripresa, o invece felicemente scritturata, come i boy scout locali, impiegati per animare il mare di vermi visibile in una delle scene finali del film. Tra i tanti e divertenti aneddoti, si ricorda come a causa di Squirm: i Carnivori della Savana e del suo utilizzo di circa 250 mila vermi, per tutto l'anno successivo ci sia stata una carenza cronica di esche su tutta la costa orientale!

Queen Kong

Titolo: Queen Kong

Regia: Frank Agrama

Anno: 1976

Paese: Gran Bretagna

Giudizio: 2/5

La regista Luce Habit scova a Londra il tipo adatto per terminare il film che sta realizzando in esterni nella giungla di un'isola tropicale. Il ragazzo si chiama Ray Fay; è un hippie, non sa nulla di recitazione ma ha la faccia adatta per interpretare una storia di avventure: il problema è che lo trovano adatto, ma per ben altri scopi, anche le donne di una tribù di amazzoni che sono solite sacrificare gli uomini alla loro divinità Queen Kong. Le selvagge rapiscono il giovanotto, lo depongono su un altare e lasciano che la misteriosa divinità ne faccia quello che crede. Ma Queen Kong, che è una super-gorilla femmina, apprezza i bei lineamenti del giovane e, invece di mangiarlo, se ne innamora. Luce Habit, derubata del primo attore, non rimane con le mani in mano e, organizzata una spedizione, libera il ragazzo, cattura la gigantessa e la trasporta a Londra accarezzando l'idea di ricavarne grande pubblicità.

Queen Kong è una brutta parodia di KING KONG che solo in alcuni momenti riesce a strappare una risata. Frank Agrama non è stato un regista proprio brillante arrivando all'attivo con due film e svolgendo più che altro un ruolo da mestierante per le major.

Siamo dalle parti del cinema di genere che tanto piaceva a Dino De Laurentis quando scommetteva su delle vere e proprie sfide arrivando e contribuendo a cult immortali come Barbarella e arrivando a puntare sulla distribuzione di questo rifacimento "serio" del classico di Ernest B. Schoedsach, a differenza di altri esperimenti in chiave erotica come QUEEN KONG di Monica Strambini con la Nappi o SUPER KONG.

Il film è di una banalità e semplicità sconcertante dove il budget semi inesistente porta a soluzioni campate in aria e improvvise soluzioni di macchina che soprattutto nel taglio e nel montaggio appaiono piuttosto evidenti.

Futureworld 2000 anni nel futuro

Titolo: Futureworld 2000 anni nel futuro

Regia: Richard T.Heffron

Anno: 1976

Paese: Usa

Giudizio: 3/5

Due giornalisti televisivi, Chuck e Tracy, scoprono che Delos, una Disneyland animata da robot, è il centro di una cospirazione capeggiata dal dottor Schneider, che vuole rapire i potenti della Terra per sostituirli con sosia-automi da lui controllati...

Delos rimarrà iconica, un nome di quelli che gli amanti del cinema ricorderanno per la fantascienza come Midian per l'orrore o l'Orbit per la narrativa di genere.

Il sequel girato dal prolifico Heffron cerca di dare manforte al genere inserendo elementi thriller e soprattutto politici, per gli anni in cui fu girato, con la paura della cospirazione e degli attentati.

Cloni, robot, androidi, in un qualche modo sono tutti elementi che cercano di sopraffare l'essere umano togliendo o sostituendosi a lui chi per soppiantare o colonizzare, chi per sterminare oppure per sanare il nostro pianeta dalla piaga che è appunto l'uomo, il peggior virus di sempre.

Sono tanti gli elementi che funzionano all'interno del film, il ritmo, tante idee, un cast divertito e una galleria di scelte estetiche abbastanza originali.

Nel film lo stratagemma utilizzato è ottimo per rendere ancora più terribili e suggestivi gli intenti del dottor Schneider utilizzando proprio il dna, inserendo quindi un elemento nuovo e accattivante per ricamarci attorno tematiche sull'impossessamento della altrui personalità, sullo sdoppiamento, sulla dialettica tra apparenza e identità, purtroppo però lasciando un finale che sembra sistemare i colpi di scena un po troppo alla svelta.

Nel più alto dei cieli

Titolo: Nel più alto dei cieli

Regia: Silvano Agosti

Paese: Italia

Anno: 1976

Giudizio: 4/5

Un gruppo di persone che hanno ottenuto un'udienza dal papa resta bloccato nell'ascensore del Vaticano. Prima c'è fastidio, poi stupore, poi paura; poi ognuno si abbandona ai propri istinti: violenze, stupri, uccisioni, cannibalismo. Rimane viva solo una suora. Ma è stato solo un incubo; quando l'ascensore si apre tutti ne scendono.

Che strano outsider Silvano Agosti. E che meraviglia scoprire e guardare questa fantastica rappresentazione dell'animo umano che a volte può diventare nero come il petrolio.

Nel più alto dei cieli è stato immediatamente ritirato dal commercio e sequestrato per la bellezza di quasi 14 anni. E'un film con moltissimi limiti soprattutto per quanto concerne il reparto tecnico. Montaggio, fotografia, sonoro, recitazione, tutto assume un aspetto molto low budget di quelli che fanno pensare oltre ai limiti dettati dalla produzione, al fatto che l'autore voglia concentrarsi sui dialoghi, il senso, gli intenti e il ritmo che nel secondo atto comincia ad essere frenetico citando tra le righe Ballard e tanta distopia.

All’interno dell’ascensore c'è ne veramente per tutti i gusti: varie classi sociali medio-alte tra cui un politico, un insegnante, un intellettuale e un sindacalista, ma anche uomini di fede come suore e sacerdoti.

La metafora nel momento dell'incidente scatenante si amplia e assume forme nuove e diverse.

Nel ventre del Vaticano, gli agnelli di un dio sconosciuto (l’ascensore sale all’infinito) si scannano a vicenda senza pietà. La critica acidissima sembra voler suggerire l’inadeguatezza religiosa e politica che di fronte al degrado morale si rifugia dietro a sterili massime proverbiali.

Il risultato è qualcosa di straziante e disomogeneo. Il finale lascerà basiti per come Agosti non cerchi solo una critica, comunque efficace, e non punta solo a cercare di mettere in imbarazzo la Chiesa Cattolica (che dal momento in cui il film venne ritirato si è risposta da sola come sempre censurando senza poter dare possibilità di discussioni e analisi) ma prendendo dentro l'ascensore tutte le stereotipie istituzionali.

Un film prezioso, sperimentale, grottesco, cinico e scomodo. Un film di denuncia che sfrutta la claustrofobia dell'ascensore come salita per l'inferno di ognuno di noi, o meglio di chi brama nascondendosi dietro simboli e fanatismi religiosi e politici.

Cannonball

Titolo: Cannonball

Regia: Paul Bartel

Anno: 1976

Paese: Usa

Giudizio: 2/5

La Cannonball è l’auto di un celebre specialista di corse fuorilegge, Buchman. Buchman partecipa al rally Santa Monica-New York proibito (e giustamente) dalla legge, anche perché tutti i colpi sono ammessi e parecchi fra i partecipanti ci lasciano le penne. Buchman vince, ma per protesta contro gli organizzatori di quel massacro rinuncia a tagliare il traguardo.

Cannonball, come altri film del cineasta americano indipendente Bartel, sfrutta il successo ottenuto dal film di culto DEATH RACE riprendendo la stessa idea delle corse clandestine e della gara che muove personaggi e ruoli diversi all’interno del film.                                                                               Una pellicola che nonostante l’ottima messa in scena, le bellissime auto e alcuni camei degni di nota (Scorsese e Stallone) e interpretato dai fratelli Carradine, rimane un film di genere senza molti colpi di scena, ma con una struttura molto classica che tende solo a intrattenere usando tutti gli artifici possibili (belle auto, belle donne, inseguimenti e arti marziali)in una stagione come quella dei Settanta in cui il trash & camp grondava da ogni inquadratura.                                                               Cannonball senza averne i guizzi e le trovate nonché sfruttando una tematica abusata soprattutto in quegli anni si inserisce in quella categoria di film come PUNTO ZERO, FUORI IN 60 SECONDI, DRIVER, BULLIT,DEATH RACE e DEATH RACE 2000 che per gli amanti del genere rimangono comunque dei film che hanno suscitato e ricevuto ottimi consensi.                                                         Del resto riesce comunque a ritagliarsi un suo primato restando tra i promotori del genere Cannonball Run che qualche anno dopo è esplosa con ANNO 2000-LA CORSA DELLA MORTE, LA CORSA PIU’PAZZA D’AMERICA, etc.

Ma come si può uccidere un bambino

Titolo: Ma come si può uccidere un bambino

Regia: Narciso Ibañez Serrador

Anno: 1976

Paese: Spagna

Giudizio: 4/5

Thomas e sua moglie, in attesa di un bambino, si recano per una vacanza sull'isola Almanzora. Ad attenderli trovano un mondo popolato elusivamente da bambini. Ben presto la coppia intuisce l'allucinante verità e per sfuggire alla furia dei bambini dovrà imparare ad ucciderli

Come definire un film assolutamente eccellente. L’atmosfera che si respira dalla prima scena e i silenzi anomali sull’isola, la sceneggiatura perfetta e robusta (lo sceneggiatore del film è lo stesso regista che si è basato sul libro El juego de los niños scritto da Juan José Plans nel 1976), il cast funzionale compresi i bambini (sarebbe stato interessante vedere il lavoro con loro soprattutto nelle scene di violenza).

Il secondo film di Serrador è il tipico esempio di come i film di genere (in questo caso il giallo, l’horror e la fantascienza) riescano a portare a casa un traguardo veicolando tra vari sotto-generi e sottolineando una denuncia davvero sconcertante. L’incipit difatti è ancora attualissimo come le immagini di reportage poste a inizio film che rispondono esattamente alla domanda del titolo - Ma come si può uccidere un bambino?- con qualche analogia con alcuni Mondo-movie per lo stile documentaristico e la voce narrante.

Rimane solo un po’ frammentario nel disegnare la causa che ha portato al contagio dei bambini. Nel film l'improvvisa pazzia dei bambini viene vista come una sorta di contagio, il quale viene diffuso tramite una sorta di ipnosi; nel libro invece a causare il tutto è una "pioggia" di polline giallo che si abbatte sull'isola.

Senza far mancare nulla ma non esagerando sulle scene di violenza riuscendo a darle uno stile piuttosto psicologico che accompagna la distruzione del protagonista e della moglie. La scena di lei finale poi è qualcosa di davvero drammatico, un vero pugno allo stomaco. Un film macabro che punta a distruggere la psiche del protagonista ponendoti delle domande a cui non vorresti mai rispondere.

Il più bel film horror con la tematica concernente i bambini.

Sebastiane

Titolo: Sebastiane

Regia: Derek Jarman

Anno: 1976

Paese:Gran Bretagna
Giudizio: 5/5

Sebastiano da Narbona è un soldato romano, il quale viene relegato a causa della fede cristiana e delle voglie omosessuali in un’isola. Sebastiano a causa del comportamento mite viene perseguitato da alcuni compagni e diventa l’ossessione del suo comandante Severo. Sebastiano non vuole essere di nessuno, ma viene accusato ingiustamente d’insubordinazione dal suo comandante e condannato al martirio.

Film notevole per la forma pittorica, l’attenzione alle cromature, una scenografia curatissima e suggestiva di una Sardegna calda e messa a nudo dal regista. Notevole per le tematiche che costruivano il film e la personalità di Sebastiano. Un film in cui il desiderio e la passione sono alla base di tutto oltre che una frecciata ai ruoli di potere che predominano e tiranneggiano per affermarsi. In questo caso Sebastiano diventa il vero e proprio oggetto sessuale desiderato e bramato da tutti. Il suo corpo scarno e la sua personalità umile lo rendono un santo in grado di non provare odio nei confronti di Severo.

La festa di corte iniziale con il tipo che viene metaforicamente penetrato e molto suggestiva e crea un ambiente quasi pasoliniano, oltre a servire come stimolo per alcuni film di Fassbinder che si evidenzia durante l’arco di tutto il film. Uomini con falli giganteschi e altri uomini che imitano donne creando una grottesca confusione di parti. Alcune scene invece sembrano prese dal SATYRICON di Fellini del ’69.

Un film sicuramente elaboratissimo nella messa in scena della storia, con un finale geniale e di forte impatto.

Il film è parlato in latino ed è interpretato da attori non professionisti.

Molti campi lunghi e primi piani sui volti assenti e abbandonati dei personaggi.

Lo stile non è particolarmente sperimentale. Sicuramente sono i contenuti dissacranti e in questo caso marcati da una sensibilità eclatante di Sebastiano che non sembra volersi vendicare, ma accetta il suo destino incondizionatamente. Girato a basso costo in ventiquattro giorni, non a caso edito raro video, è il primo film di Jarman.

Musiche elettroniche originali di Brian Eno.

Assassinio di un allibratore cinese

Titolo: Assassinio di un allibratore cinese

Regia: John Cassavetes

Anno: 1976

Paese: Usa
Giudizio: 5/5

Il proprietario del “Crazy Horse West” è un uomo che ama la bella vita. Va a prendere le sue ragazze nelle rispettive case, regalando ad ognuna di loro un’orchidea. L’uomo tuttavia è un gran spendaccione e non si preoccupa di regolare i debiti con piccoli strozzini del suo locale.

Durante una partita di poker, l’uomo perde circa ventitremila dollari, così, i mafiosi del locale lo costringono a firmare un foglio in cui pagherà tutti i debiti.

Nonostante le minacce, l’uomo non si preoccupa e si prende tutto il tempo.

Quando la mafia gli farà di nuovo visita, gli concederà una possibilità: uccidere un influente uomo cinese a Chinatown.

Ci riuscirà, ma i guai non saranno finiti…

Uno dei più bei film dal padre del cinema indipendente americano insieme a OMBRE e GLORIA.

A livello tecnico funziona molto bene: l’uso così sgargiante d’alcuni colori, lo stile lampeggiante e sincopato, il montaggio veloce e attento ai particolari. L’uso della telecamera a spalla per poter seguire tutti i movimenti del protagonista. Sembra quasi di essere tornati alla Nouvelle Vague.

Film drammatico, gangster movie, thriller. Gli elementi che accomunano tutti questi generi sono presenti nel film secondo un ordine ben preciso.

Gangster movie per i toni e i dialoghi che scattano tra i mafiosi e Gazzara. Thriller poiché l’uomo, per uccidere il cinese, si muoverà come una spia contro i coreani, senza farsi vedere e sentire. Pochissima ironia drammatica ed un climax finale coinvolgente.

Il genere, o i generi, sono completamente ribaltati a colpi di rallentamenti e divagazioni grottesche.

Musiche eccellenti.

Gazzara non poteva fare di meglio.

In origine il film durava 135’ ridotto poi da Cassavetes a 108’ nel 1978.

Cibo degli dei

Titolo: Cibo degli dei

Regia: Bert I.Gordon

Anno: 1976

Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Mark Morgan, giocatore di rugby, il suo collega Davis e il loro allenatore Brian vanno a caccia su un isolotto in mezzo a un lago: separatosi dagli amici, Davis muore per le punture di api giganti. Mark scopre, allore, che i mostruosi insetti sono il prodotto di una sostanza sconosciuta, sgorgata improvvisamente dal terreno dei coniugi Skinner.

Questo esempio di sci-fi sugli animal-movie tratto dalle opere di H.G. Wells pur non avendo riscosso molto successo è dignitoso e apprezzabile su diversi punti.

Di nuovo la natura cerca di vendicarsi sull'uomo partorendo una sostanza che creerà api giganti, topi famelici, galline giganti, vermi e altro ancora.

Il cibo degli dei appunto è proprio la sostanza di cui si nutrono gli animali per prendere la forma che meglio gli si addice.

Gordon con un budget minimo e almeno un paio di nomi notevoli tra gli attori riesce a costruire una storia efficace con più di una pecca e alcune cadute di tono nel reparto tecnico, in primis la mdp che sembra talvolta sfuggirgli di mano ma Gordon riesce a ripagare Wells con un ottimo finale.

Nella lunga filmografia di Gordon è possibile notare come gli animal-movie e gli horror abbiano stimolato la fantasia del regista insieme ad altri titoli d'avventura e tentativi di thriller.

Un regista coraggioso che comunque non si è mai sputtanato cercando di dare il massimo e creando comunque un piccolo cult per quegli anni in cui se anche non c'erano gli effetti per creare e dare maggiore realisticità con la c.g o con il make-up in generale ha comunque portato a casa delle scene weird da brivido che non starò a citare ma a parte la sensazione di panico generale tra l'altro creata ad hoc, il film potrebbe con il suo tentativo essere una di quelle metafore di come finirà l'agricoltura e che cosa potranno davvero diventare alcuni ormoni.

Rabid-Sete di sangue

Titolo: Rabid-Sete di sangue

Regia: David Cronemberg

Anno: 1976

Paese: Canada

Giudizio: 4/5

Dopo un terribile incidente stradale, Rose viene sottoposta a un delicato trapianto di pelle che le ridona le sue bellissime fattezze. Con l'operazione però qualcosa in lei è cambiato, fino a trasformarla in un vero pericolo per chi le sta accanto. Rose fugge dalla clinica, diffondendo il male che l'ha colpita in tutta la città e scatenando un inferno di sangue e terrore per le strade...

Mi aspettavo un horror che trattasse di vampirismo anche se di solito Cronemberg è uno che non sceglie mai la strada convenzionale riuscendo ad invertire e trasporre in maniera assolutamente personale concetti fantascientifici o epidemie fuori dal normale. In questo caso il soggetto si discosta totalmente diventando un film appunto su un epidemia che si respirava soprattutto in quegli anni e che Cronemberg non ha mai respirato rimanendo integro e coerente nonché assolutamente originale, in grado di sperimentare, osare e mischiare generi oppure passandoci così a margine da riuscire a non far parte proprio di quel filone commerciale che spopolava.

La scommessa con questo film è stata vinta grazie anche alle doti non solo “d’intrattenimento” della bellissima attrice hard Marilyn Chambers che scolpisce un personaggio che rimarrà impresso per molto tempo contando che protagonisti a metà tra la ragione e la più pura istintività non erano quasi mai stati mostrati con tale coraggio soprattutto in ruoli femminili.

Cronemberg quindi mostra un film horror ma dichiaratamente fantascientifico in cui il finale non solo è una vera e propria mazzata per le scimmie che popolano questa terra ma soprattutto perché con tutte le nostre “auto-difese” siamo completamente nudi di fronte a qualsiasi tipo di epidemia che potrebbe attaccare e decimare il genere umano da un momento all’altro.

Scenario disegnato da sempre più registi e non così apocalittico e inverosimile come può sembrare.

Uomini si nasce, poliziotti si muore

Titolo: Uomini si nasce, poliziotti si muore

Regia: Ruggero Deodato

Anno: 1976

Paese: Italia
Giudizio: 3/5

Alfredo e Antonio sono la punta di diamante di una brigata speciale della polizia che combatte la malavita ad armi pari. Liberi da qualsiasi vincolo legale e con licenza di uccidere, i due agiscono con spietatezza coperti dal loro capo. Le cose si complicano quando i due cominciano a dare la caccia ad un delinquente ferocissimo, il biscazziere Roberto Pasquini, che spadroneggia a Roma con connivenze in ogni settore della malavita.

Deodato uno dei migliori italiani di sempre approda al poliziesco con un ottimo risultato non solo per l’efferatezza delle scene, alcune notevoli per il periodo, ma anche per aver scelto i due protagonisti come belve altrettanto avide di uccidere e di esibirsi coperti dalla legge.

Deodato, regista, autore del soggetto nonché della sceneggiatura tira frecciatine contro quella che è la modalità operativa delle forze dell’ordine in generale, riassunte con le azioni dei due poliziotti in borghese che sembrano quasi divertirsi oltre che far sembrare il tutto un gioco in cui hanno la libertà di poter agire come vogliono.

Il montaggio è secco e ricorda soprattutto i film di Fernando Di Leo. Tra i personaggi spiccano due apparizioni, una quella di Franco Citti delinquente e l’altra quella di un improvvisato Alvaro Vitali.

Le scene da ricordare sono come sempre gli inseguimenti girati come solo noi italiani in primis abbiamo saputo fare e di cui gli americani dovranno omaggiarci forever.