Grafted

Titolo: Grafted
Regia: Sasha Rainbow
Anno: 2024
Paese: Nuova Zelanda
Giudizio: 3/5

Una studentessa cinese, impacciata ma brillante, vince una borsa di studio per una prestigiosa università neozelandese. Una volta arrivata, la ragazza trova un modo inedito per ottenere la popolarità che desiderava da tempo, lasciandosi alle spalle una vittima martoriata dopo l'altra.

 
Il tema del body horror, del cambiamento di se stessi, dell'uscire dalla propria zona di comfort per assumere un'altra forma o impedire al proprio corpo un processo di invecchiamento che da sempre è stato biologicamente accettato sembra un punto o un tema su cui negli ultimi anni il body horror voglia riflettere maggiormente senza contare che la maggior parte delle registe sono donne e questo non può che fare un gran bene. Grafted parla di teenager, di processo di crescita, della difficoltà ad accettare e accettarsi soprattutto per il dramma familiare vissuto e il trauma senza parole che ancora Wei non riesce a superare senza avere supporti in primis dal padre. Lei contro il bullismo che la circonda a partire dalla cugina per arrivare ai soliti college dove la deprivazione culturale sembra un dato incontrovertibile. Però la Rainbow seppur trovandosi a volte con personaggi poco caratterizzati, soprattutto gli antagonisti, decide di far diventare la nostra piccola Wei come la Eihi di AUDITION di Miike una paladina del gore spingendo su una violenza inusitata, facendosi travolgere dal piacere dell'infliggere dolore scarnificando facce e impiombando le sue vittime tra oggetti di ogni tipo senza cambiare mai i tratti del viso.

Tank

Titolo: Tank
Regia: Scott Walker
Anno: 2023
Paese: Nuova Zelanda
Giudizio: 2/5

Dopo aver misteriosamente ereditato una proprietà costiera abbandonata, Ben e la sua famiglia liberano accidentalmente un’antica creatura, da tempo dormiente, che ha terrorizzato l’intera regione – compresi i suoi stessi antenati – per generazioni.

 
Tank è quel tipico horror sconosciuto che parla di mostri, creature feature, e per questo è doveroso da parte mia guardarlo a priori al di là di quello che sarà il risultato. E' la risposta è un ni, un film con una bella atmosfera, un incipt scandaloso che anticipa tutta la mistery che tutto il primo atto cerca di raccontare anche abbastanza bene se non con qualche momento di noia in cui il ritmo fa fatica a procedere. Ho apprezzato la scelta di mostrare i mostri il più tardi possibile, non ho apprezzato come sono stati realizzati anche se almeno non sono poi così esagerati e la final girl finale che per difendere la family massacra come se non ci fosse un domani non è credibile.
La parte però tra il cottage e la spiaggia prima che l'invasione rettile abbia inizio ha qualcosa di interessante e ammorbante, quasi come se solo da molto lontano richiamasse qualche eco di quell'orrore cosmico che tanto ci entusiasma.

Coming home in the dark

Titolo: Coming home in the dark
Regia: James Ashcroft
Anno: 2021
Paese: Nuova Zelanda
Giudizio: 3/5

Un insegnante di scuola è costretto a confrontarsi con un atto brutale del suo passato quando una coppia di spietati vagabondi porta lui e la sua famiglia in un viaggio da incubo.

 
L'esordio alla regia di Ashcroft nonostante segua una trama abbastanza scontata ha degli imprevisti interessanti, ovvero di come sviluppa alcuni meccanismi classici destrutturandoli e rendendoli funzionali dal punto di vista dei colpi di scena e di dove voglia andare a parare la trama.
Due specie di bifolchi che spuntano dal "nulla" a rovinare il picnic di una coppia con i loro due figli. Comincia subito l'incubo ma non si spiega perchè questa coppia di redneck sia così cattiva dal nulla senza spiegare il perchè di tanto rancore. Verrà sciorinato durante il decorso del film dove appare ovvio dal secondo tempo in avanti dove voglia andare a parare con un finale per nulla scontato e un abbondante dose di violenza che nonostante l'uccisione improvvisa dei due figli, diventa una sorta di testimonianza del dolore per chi come Hoaggie, il protagonista, è riuscito a vivere nell'ombra nascondendo le proprie e altrui nefandezze.

Perfect Creature

Titolo: Perfect Creature

Regia: Glenn Standring

Anno: 2006

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 3/5

Siamo in "Nuovo Zelandia" un luogo in cui le ere (quella Vittoriana e una più recente) sembrano essere entrate in commistione. In questo mondo esistono i vampiri, creature originate 300 anni prima da una mutazione genetica. Essi però hanno stretto un patto con gli umani e si sono uniti in una comunità di "Fratelli".

I vampiri fanno uso delle loro superiori conoscenze e dei poteri attribuiti loro dalla particolare conformazione fisica per aiutare gli esseri umani. I quali li ricambiano con spontanee donazioni di sangue. Tutto è sempre andato per il meglio finché un giorno Edgar, un vampiro, ha iniziato a vedere gli umani come prede. Edgar è figlio del Grande Sacerdote della comunità e fratello di Silus il quale si allea con la polizia umana per metterlo in condizione di non nuocere

Standring al suo attivo ha due film, questo è il suo esordio, un film particolarmente brutto anche se con qualche trovata simpatica L'INCONFUTABILE VERITA'SUI DEMONI.

La prima volta che vidi il film non ne rimasi affascinato, anzi, mi era sembrato abbastanza privo di forza e non trovavo particolarmente stimolante la trama e la messa in scena.

Riguardandolo però ho avuto modo di ricredermi, certo non è uno dei miei cult tra i film di vampiri, ma mette tanta carne al fuoco, in maniera abbastanza approfondita e caratterizzando bene i personaggi, caratteristiche che nel cinema d'azione-horror non sempre trovano una buona gestazione. In questo caso invece la comunità dei Fratelli, il contesto di un'era o meglio un'ambientazione steampunk che non viene perfettamente decifrata, la creazione dei vampiri che avviene geneticamente e la comunione con gli umani e lo scontro tra i due fratelli crea un bel mix di elementi che si affacciano al cinema di genere in maniera se non altro originale che parlando di vampiri non è un elemento da poco.

Action, horror, dramma, noir, poliziesco, thriller. Standring crea un suo piccolo universo da cui potrebbero trarre numerose stagioni di una serie tv nel voler anche solo ampliare la storia e parlare di come tutto è stato creato e del perchè, elementi che nel film vengono esaminati con poche battute per dover riuscire a far convergere tutto fino alla fine.

Copper

Titolo: Copper

Regia: Jack O'Donnel

Anno: 2014

Paese: Nuova Zelanda

Festival: Divine Queer Film Festival

Giudizio: 3/5

Un ragazzino sordo molto curioso incontra una statua vivente: chi si nasconde dietro la maschera?

E' vero i bambini possono sentire i loro cari vicini, anche quando sono apparentemente mascherati.

Ma come fare quando affianco si ha una madre troppo normativa che non lascia respiro al bambino con la paura che possa finire nei guai a causa della sordità. Per non parlare del compagno della mamma che cercando di proteggere il bambino non si rende conto che banalmente non ha mai provato a imparare il linguaggio dei segni per entraci in sintonia e infine un fenomeno da baraccone che sa essere più deciso che mai quando arriva il momento di aprire gli occhi e vedere chi ha davanti. A tratti molto melodrammatico e melanconico. Interessante anche sul piano tecnico in cui le musiche alla Amelie e un girotondo di colori cercano di mischiare il piano drammatico-sociale con quello dell'immaginazione e della fantasia.

Dark Horse

Titolo: Dark Horse

Regia: James Napier Robertson

Anno: 2014

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 3/5

Ex campione maori di scacchi, Genesis Poltini è alla ricerca di una vita che rifletta la verità del gioco che adora. Convivendo con un disturbo bipolare, Genesis deve superare pregiudizi e violenza per salvare il suo club di scacchi in difficoltà, la sua famiglia e anche se stesso.

Sono pochi i film che parlano di scacchi soprattutto quando dietro c'è una storia di formazione e redenzione.

Gli scacchi possono insegnare molto e sicuramente necessitano di regole, precisione, attenzione e strategia. Un tema del genere ambientato in Nuova Zelanda con protagonisti un manipolo di ragazzini che devono partecipare ad un prestigioso torneo e il loro mentore, un ex campione con disturbi psichiatrici, sono solo alcuni degli ingredienti dell'opera prima del giovane regista. Possiamo aggiungere il passato che torna, le faide famigliari e il peso delle gang in sotto culture come queste, finendo per avere tanti elementi che ne fanno una buona storia in questo indipendente film che da noi è passato in sordina solo in alcuni festival. In più il film è tratto da eventi reali contando che questo Genesis ha passato tutta la vita ad insegnare le regole degli scacchi ai ragazzi.

Cliff Curtis è un veterano dei film, sempre costretto in ruoli minori e infatti in questa deliziosa prova da protagonista affetto da disturbo bipolare.

Dark Horse, da non confondere con il film di Solondz, in tutti i momenti in cui non si prende sul serio diventa un film meraviglioso mentre nei momenti decisivi mostra il suo lato melanconico e il bisogno di trovare un lieto fine a tutti i costi risolvendo alcune vicende peraltro in maniera troppo frettolosa (come le sorti di Mana e la gang) oppure nella scelta scontata della vittoria del torneo.

A parte l'ottimismo di risolvere e migliorare ogni sotto storia presente nel film, Robertson ha creduto fino in fondo in un film che entra a tutti gli effetti nella rassegna di quelle opere indie semi sconosciute e di un regista che se curerà meglio alcuni aspetti presto potrà essere chiamato autore.

Deathgasm

Titolo: Deathgasm

Regia: Jason Lei Howden

Anno: 2015

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 3/5

La vita in un liceo può essere un inferno e lo sa bene Brodie, un giovane metal emarginato da tutti fino a quando non incontra uno spirito affine in Zakk. Dopo aver messo in piedi una loro band, Brodie e Zakk incappano in un misterioso spartito che garantirebbe un potere supremo a chi è in grado di eseguirlo. La musica che ne deriva,però, evoca un'antica e malvagia entità in grado di sconvolgere l'esistenza di chiunque e divorare l'umanità.

Deathgasm è un divertissement, qualcosa che si prende molto alla leggera. Un prodotto folle, bizzarro, splatter/gore e soprattutto autoironico. Un mix che riesce al contempo a frullare generi e atmosfere non sapendole sempre trasformare in un risultato ottimale, ma riuscendo comunque a fare una bella figura per essere un'opera prima anche se per alcuni aspetti può sembrare un omaggio a tutta una nutrita serie di film anni'80.

Qui alla sceneggiatura si sono proprio divertiti su alcuni argomenti inserendo e prendendo in prestito un po dappertutto, mentre per altri elementi permane il vuoto assoluto, ovvero non accenna nemmeno per un secondo a cercare di prendersi sul serio. E'una scelta.

Deathgasm è uno di quei film che va considerato e potrebbe piacere solo per una certa fetta di pubblico a differenza del recente TURBO KID sempre in arrivo dalla N.Z

Combattimenti, demoni, spartiti maledetti, teste tagliate, tutto sa di già visto, eppure si ride.

Qui si punta solo ed esclusivamente sulla demenzialità altrimenti i nostri due protagonisti fanatici del metal non affronterebbero i posseduti con cazzi di lattice e altri oggetti improbabili.

Uno svago con stile, una vaccata di classe, insomma qualcosa che potrebbe assomigliare quasi ai film della Troma e che per fortuna ha tanto ritmo, musica e degli attori che almeno ci provano.

Un altro prodotto insolito dalla N.Z che si sà deve gran parte del successo di questo sotto-genere alle opere prime del talentuoso Jackson.

Dead Room

Titolo: Dead Room

Regia: Jason Stutter

Anno: 2015

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 2/5

Due scienziati e una giovane medium vengono inviati a indagare su una casa colonica nel sud della Nuova Zelanda che i proprietari sostengono essere infestata. I due uomini di scienza sono scettici su quanto è accaduto ma ben presto dovranno confrontarsi con un'entità terribile pronta a tutto per proteggere i segreti della residenza.

Le case infestate continuano ormai da decenni a imporsi come sotto genere dell'horror.

Vanno di moda, piacciono. Le si provano ormai tutte, come in questo caso cercare di dare un approccio scientifico a qualcosa di metafisico e spettrale. Decidere di riprendere e registrare qualcosa che forse non esiste.

L'idea di per sè non è nemmeno così malvagia, soprattutto se nel trio dei protagonisti inserisci una medium che non è chiaro cosa senta e cosa percepisca. L'errore fatale del film è la narrazione, la messa in scena unita ad un ritmo lento e noioso che smorza tutta la suspance e l'atmosfera che riesce a resistere solo in alcuni passaggi.

Con un finale lacunoso e che distrugge quel poco che il film riusciva a costruire, di fatto fatica a procedere è in 80' di film, quando non succede niente per la prima mezz'ora, allora significa proprio che c'è qualcosa che non funziona.

La premessa di Stutter nasceva da un'idea ancor più originale, ovvero che se i fantasmi decidono di non fare la loro comparsa o preferiscono aspettare i loro comodi e lunghi tempi, il film sembra fare la stessa cosa. Aspetta e fa aspettare lo spettatore, purtroppo annoiandolo a morte, come di fatto spetta a molti di coloro che vanno in giro a perdere tempo facendo questi inutili esperimenti.

Dead Lands

Titolo: Dead Lands

Regia: Toa Frazer

Anno: 2014

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 3/5

Dopo il massacro della sua tribù tramite un atto di tradimento, il figlio adolescente del capo, Hongi, decide di vendicare il padre in modo da portare la pace alle anime dei suoi cari. Notevolmente in inferiorità numerica contro la banda di predoni assassini che sono ancora in agguato, Hongi ha una sola speranza: deve entrare nelle proibite "Terre dei morti" e chiedere aiuto al misterioso "Guerriero", un combattente leggendario che si dice risieda lì.

I film che prima erano d'avventura e poi sono diventati d'azione con protagonisti i Maori e la bellissima Nuova Zelanda non mancano di certo. Ora facendo tabula rasa di tutto ciò che nel cinema è uscito sul tema e sulla location di recente, l'approccio con "Le terre morte" non è un buco nell'acqua, ma in quanto a originalità lascia perlomeno perplessi.

Il revenge-movie è davvero un tema abusatissimo e anche cambiando la geografia, se non sei in possesso di una sceneggiatura come si deve, il risultato alla dura stanca e in alcuni casi annoia pure.

Dead Lands è uno scontro dove a fare da padrona sono le smorfie, le linguacce dei suoi protagonisti e un essere straordinario, un mostro cannibale, una furia da combattimento capace di affrontare da solo molti uomini, il cui nome è 'Il guerriero'.

Tra viaggi dell'eroe, spiriti di antenati, premonizioni, rituali, e combattimenti, il film prosegue con una struttura che dire lineare è poco. Tutto alla fine è destinato ad essere scontato senza nessun guizzo e trovando in alcune scene anche dei momenti morti.

Poi sarà che sono spesso un nostalgico ma quando penso alla Nuova Zelanda il mio mito continua ad essere Jake la Furia.

Turbo Kid

Titolo: Turbo Kid

Regia: AA,VV

Anno: 2015

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 4/5

In un futuro post-apocalittico, The Kid, un orfano emarginato, incontra una ragazza misteriosa. Diventano amici fino a quando Zeus, il sadico capo della Wasteland, la rapisce. The Kid deve affrontare le sue paure, e viaggiare per liberare la Wasteland del male e salvare la ragazza.

Ogni tanto è proprio interessante lasciarsi sorprendere da alcune dolci scoperte.

Turbo Kid forse diventerà uno dei film a cui più mi affezzionerò del 2015, per tantissimi e nutritissimi elementi, dall'enorme carica vintage alle tonnellate di citazioni, agli omaggi dichiarati verso i film anni '80 e tanto, tanto altro ancora.

Gli stessi registi, un trio neozelandese da tenere sott'occhio, ha espresso come il film sia una dichiarazione d’amore ai film che li hanno più emozionati durante l’infanzia e quindi non stupisce che il risultato sia un compendio di tutto ciò che ci ha visti crescere (mangianastri e BMX) senza contare Le Matos - No Tomorrow (feat. PAWWS) come brano della colonna sonora, nostalgico quanto funzionale a far calare ancora di più lo spettatore nell'avventura e nell'empatia che prova per i due protagonisti.

Turbo Kid è il tipico viaggio dell'eroe con una storia così essenziale e telefonata da far esaltare ancora di più per come siano stati centrifugati alcuni elementi tipici del genere esaltandoli nella forma più creativa e funzionale possibile.

Senza contare che per essere un film d'avventura post-apocalittico, che si inserirebbe tranquillamente in un sotto genere come l'ozploitation dei vicini australiani, è pieno di violenza, splatter senza lesinare sul sangue che scorre a fiumi, arti, maschere e la lista andrebbe avanti all'infinito, contando poteri straordinari, e un finale esplosivo.

Davvero una sorpresona passata dal Sundance con un ritrovato e sempre incazzatissimo Michael Ironside e una bellissima Laurence Leboeuf truccata e con una parrucca favolosa, un robot di cui si fa fatica a non innamorarsi.

What we do in the shadows

Titolo: What we do in the shadows

Regia: Taika Waititi

Anno: 2014

Paese: Nuova Zelanda
Festival: TFF

Giudizio: 4/5

Un gruppo di vampiri con sede in Nuova Zelanda lotta per capire la moderna società e per adattarsi al mutevole mondo che li circonda.

Negli ultimi anni sui vampiri si è mosso davvero poco di originale.

Possiamo annoverare STAKE LAND, WE ARE THE NIGHT e questa godibilissima, fresca, originale commedia e insieme mockumentary sui vampiri made in Nuova Zelanda.

Una maniera piuttosto ironica che riesce per quasi tutta la durata, tolta una mezz'ora un pò leziosa nella parte centrale, a uscirsene de-strutturando e facendo una sorta di parodia dei luoghi comuni dei vampiri.

Dai ghoul, alle banshee, ai lupi mannari, alla bestia, alla convivenza, tutto sembra possedere le carte per riuscire a trovare un buon intrattenimento low-budget.

Complice lo script, le interpretazioni intense, il film è stato diretto a quattro mani da Taika Waititi, qui alla sua opera terza, e Jemaine Clement, alla sua opera prima, anche protagonisti della pellicola.

Senza inventare nulla, ma lavorando sull'immagine del vampiro, i due autori prendendo spunti vari e citazioni a bizzeffe, sfruttano le difficoltà nell'era dei media, Skype e YouTube, sconsacrando con l'ennesimo giro di vite il terreno più sconsacrato di tutti, ma anche il più duro a morire e allo stesso tempo prendendo un ventaglio di situazioni su cui incentrare l'impianto ironico come l'omoerotismo, il non potersi specchiare, la maledizione di vivere in eterno e restare sempre della stessa età.

What we do in the shadows tenta di “dare risposte a quelle domande che nessuno ha il coraggio di porre” a volte in modo singolare, alle volte intrappolato in piccoli pantani da cui difficilmente riesce ad uscirne, sempre bilanciato, ma alla fine arrivando ad un traguardo, unendo due elementi molto abusati e confermando che le idee sono alla base di un buon risultato.

Hobbit-La desolazione di Smaug

Titolo: Hobbit-La desolazione di Smaug
Regia: Peter Jackson
Anno: 2013
Paese: Nuova Zelanda
Giudizio: 3/5

Blbo, Gandalf e i 12 nani capitanati da Thorin Scudodiquercia procedono il loro viaggio tra ragni giganti, uomini orso e il fondamentale incontro con gli elfi silvani di Legolas. Ad un passo dalla meta però Gandalf è costretto a separarsi dalla compagnia per affrontare prove più importanti da solo, mentre i nani e Bilbo giungono a Pontelagolungo, alle pendici del monte in cui riposa il drago Smaug. Determinato a riprendere quel che è suo Thorin Scudodiquercia non attende Gandalf e decide di procedere da solo inviando come pattuito Bilbo a rubare l'Arkengemma dal drago dormiente.

Quello che lo Hobbit e Jackson NON dovevano fare nel secondo capitolo era quello di inventare di sana pianta elementi che nel libro non c'erano come:
Legolas in generale nella fattispecie Orlando (ma come cazzo si fa a chiamarlo attore)Bloom
Legolas quasi co-protagonista che addirittura improvvisa un corpo a corpo con uno egli orchi più grossi e più potenti del film
Legolas che si innamora e segue la sua amata che però forse si è innamorata di un "nano" che lei considera più alto e più bello della media.
Legolas che non può amare la sua amata perchè per gli Elfi c'è un probema di caste e lei è troppo povera.
Ora mettendo da parte per un attimo l'ovvio problema del film, il resto funziona mica male, anzi, tutto il film è un concentrato di azione resa perfettamente e senza mai buttarla del tutto sul ridere se non nella scena abbastanza lunga del fiume con le botti che per alcuni aspetti sembra la scena davvero troppo lunga nel primo capitolo quando i nani entrano nella casa di Bilbo.
Lo hobbit parte da una scommessa molto più difficile che la saga del signore degli anelli ovvero dilata un libricino in tre film e Jackson aggiunge, crea e arricchisce, in una sfida impossibile per essere allo stesso livello del materiale di partenza. E in questo secondo film, le creazioni del regista sono decisamente più evidenti che nel primo.
Anche la storia sugli umani e la ricerca di Gandalf sono molto attente e cercando una loro coerenza anche laddove non sembra poterci essere.
Jackson si diverte e diverte moltissimo regalando e appassionando ancora di più rispetto al primo capitolo soprattutto quando l'azione e le location si spostano nelle miniere.
Un film per tutti capace di tenere incollati alle sedie per quasi tre ore, quasi un primato su cui Jackson sembra avere trovato una perfetta armonia.
Sarebbe stato bello poterlo vedere in HFR (oltre che in 3D), ovvero a 48 fotogrammi al secondo invece dei tradizionali 24, soluzione scelta dal regista per la maggiore qualità dell'immagine.

Few Words

Titolo: Few Words
Regia: Matt Pain
Anno: 2012
Paese: Nuova Zelanda
Giudizio: 3/5

Il film racconta la storia di Candide Thovex, pioniere dello sci moderno, che ha portato questo sport a un livello superiore. Tre volte vincitore agli X-Games, campione del mondo di freeride e leggenda del freeski, Thovex ci accompagna in un viaggio alla scoperta di paesaggi montani remoti e spettacolari, che fanno da sfondo a sensazionali sequenze sulla neve. Few Wordsconduce nel mondo di uno dei più interessanti e autorevoli personaggi dell'universo degli sport invernali, un atleta discreto e autentico, che ha costruito la sua fama sui fatti, anziché sulle parole. Scritto e diretto dal neozelandese Matt Pain, con interviste esclusive e azioni mozzafiato, questo film coinvolge lo spettatore in un adrenalinico e inusuale contesto di natura estrema e massima abilità agonistica.

E’interessante ogni tanto osservare il sodalizio delle più grandi e mirabolanti imprese di sci acrobatico mischiato con le nuove e più moderne tecniche digitali.
Il risultato lascia di stucco, ovvero si ha la possibilità sempre più di osservare nel dettaglio le perizie dei voli e dei lanci acrobatici.
Certo sembrano le mirabolanti imprese di un folle scatenato ma Thovex è solo uno dei tanti che si cimenta impavido di fronte a cime innevate che solo dal taglio dell’inquadratura cominciano a destare non poche perplessità soprattutto quando l’atleta si lascia cadere quasi in verticale e precipitando in alcuni tratti quasi in caduta libera. Appassionato di free style e vincitore dei maggiori contest a livello internazionale, riesce grazie, anche in questo caso, alle mirabolanti imprese a bordo di elicotteri o di operatori di macchina anche loro esperti e appassionati, almeno nel concepire e studiare a tavolino alcune ingegnose inquadrature, portano ai fasti il ritmo e il montaggio in alcune sequenze decisamente molto più adrenaliniche di un qualsiasi film d’azione.
Per gli appassionati di sport estremo questo è solo uno dei documentari che sapranno diventare presto cult per gli appassionati e di certo per tutti i fan di Thovex.

Once Were Warriors 2-Cinque anni dopo

Titolo: Once Were Warriors 2-Cinque anni dopo

Regia: Ian Mune

Anno: 1999

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 2/5

Da quando Beth lo ha lasciato nella speranza di rifarsi finalmente una vita, Jake l'attaccabrighe, ha voltato le spalle alla famiglia. Ha trovato in Rita, una nuova compagna, ma continua a vivere di espedienti e a frequentare il bar di McClutchy. Qui tra una bevuta e un'altra scopre che suo figlio Nig è stato ucciso in uno scontro tra bande.

Mentre nel primo capitolo il soggetto prevedeva un lungo spaccato sul contesto famigliare, qui l’elemento di fondo non è sviluppato bene, rimanendo un monito sugli stralci del precedente capitolo.

Probabilmente Mune punta più sull’elemento delle bande senza però aggiungere nulla di nuovo rispetto al primo.

Effettivamente questo secondo capitolo punta molto di più sull’azione, essendo la sceneggiatura molto limitata sin da subito si notano alcuni difetti abbastanza imperdonabili come l’arrivo di Sonny, un figlio che nel primo capitolo non c’era, qui appare dopo cinque anni grande come gli altri fratelli.

Forse l’unica news a parte Scimmia  e la parte degli Snake e proprio il socio di Scimmia che esce dopo aver scontato una pensa per salvare il suo capo e alla fine nel climax finale opterà per un bel colpo di scena.

Jack la Furia comunque sembra a differenza degli altri personaggi, di non essere invecchiato di una virgola.

Once Were Warriors-Una volta erano guerrieri

Titolo: Once Were Warriors-Una volta erano guerrieri

Regia: Lee Tamahori

Anno: 1994

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 3/5

Alla periferia di Auckland una madre maori di cinque figli lotta per tenere unita la famiglia contro il marito ubriacone e violento e due figli invischiati nella logica delle bande giovanili

Una volta erano guerrieri ora sono alcolizzati e schiavi del mito americano.

Questa poteva essere la log-line di lancio del film. Uno spaccato urbano a tratti commovente e sicuramente duro e scomodo come i dialoghi e il linguaggio usato nel film. Una critica feroce contro la rapina, usato come sinonimo di colonizzazione che vede protagonisti i Maori. Dentro la società dentro il ghetto, scopriamo come oramai il degrado e la corruzione siano le costanti del processo e della deriva urbana con evidenti responsabilità antropologiche di natura ovviamente occidentale.

Eppure i personaggi che vivono questa dura realtà non sembrano trovare colpevoli sfogando tra di loro la rabbia e l’evidente frustrazione.

Tamahori poi punta molto sui legami famigliari e quelli tra bande(unico elemento con il quale sembrano mantenere una certa stabilità anche se ad un prezzo molto alto).

Temuera Morrison ha avuto la possibilità di dar vita ad un personaggio molto discutibile ma sicuramente indimenticabile come quello di Jack la Furia. Peccato per il suo futuro che insieme a quello del regista sembra essersi disperso come le radici Maori, solo che mentre il primo è stato sfortunato il secondo

ha abbandonato la sua terra per dedicarsi ai film d’azione più beceri americani ma con la consapevolezza di aver realizzato il suo capolavoro alla sua opera prima.

La parte poi di formazione in cui l’insegnante cerca di instillare tradizioni e cultura ai giovani è forse la parte più commovente.

Splatters

Titolo: Splatters

Regia: Peter Jackson

Anno: 1989

Paese: Nuova Zelanda

Giudizio: 4/5

Lionel è oppresso da una madre ossessiva, che gli impedisce di avere una vita sociale e di vedere delle ragazze. Quando il giovane conosce la bella Paquita, la folle genitrice segue i due ragazzi al loro primo appuntamento, al giardino zoologico; qui, la donna viene morsa da uno strano animale. Presto, la madre di Lionel morirà e si trasformerà in uno zombie, iniziando a infettare tutti i vicini.

Uno dei veri cult in ambito di cinema splatter-trash, gli schizza cervelli è in assoluto uno dei capolavori del genere contando le venature macabre e gli incipit demenziali che lo collocano fin da subito in una determinata categoria che chiude il trittico horror del buon Jackson prima che venga rapito dalle major cui affidano produzioni iper-galattiche.

Splatters è un film che funziona perfettamente sotto tutti i punti di vista e in particolare nella semplice ma efficace sceneggiatura, sempre pronta a cogliere gli aspetti più grotteschi che dalla vita sedentaria di casa tra Lionel e la madre, si sposta poi a tutta la città. Il massacro finale così come il bambino davvero volgare sono solo alcune delle perle che attribuiscono la corona a uno dei film più raccapriccianti per l’anno in cui è stato girato e badate bene parliamo dell’89 in cui di film così (nel senso di fatti così bene) non c’è, n’erano che una manciata. E’così dai 500 litri di sangue finto (300 dei quali sono nel massacro finale con la motosega) fino alle gag assolutamente irriverenti, la madre-topo che per certi versi mi ha ricordato la mutazione finale di Samantha Eggar di BROOD come invece il film ha sicuramente influenzato molto Raimi che nel 93 gira L’ARMATA DELLE TENEBRE.