Gutterballs

Titolo: Gutterballs

Regia: Ryan Nicholson

Anno: 2008

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

Un brutale e sadico stupro porta ad una serie di omicidi bizzarri e altamente violenti durante una festa da ballo organizzata in una sala da bowling. Uno dopo l'altro, i giocatori delle due squadre muoiono per mano di un misterioso killer…

Se dovessimo fare una classifica di tutte le maschere più imbarazzanti negli slasher, il carnefice di Gutterballs si aggiudica la menzione speciale.

Il film canadese di Nicholson è un palese omaggio agli anni 80, uno splatter di serie b e infatti non differisce molto da centinaia di altre pellicole sul torture porn, trash & revenge e rape & revenge (giusto per non farsi mancare nulla). Inserisce come location il campo da bowling, quasi tutto il film è in interni, la trama è campata in aria, infilando la solita galleria di personaggi patetici ed esemplarmente idioti. Due squadre che si affrontano, qualche fanciulla degna di nota, un certo sessismo in particolare sui trans e per finire uno stupro lunghissimo, tantissimo sangue e alcuni dialoghi inconsistenti e sboccati.

Per il resto non c'è molto al di là del fatto di perdersi per strada in più momenti, la regia poteva regalare più pathos tra i personaggi al posto di inscenare troppi dialoghi resi pesanti da campi e contro campi macchinosi come un partita di ping pong.

What Keeps you alive

Film: What Keeps you alive

Regia Colin Minihan

Anno: 2017

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

Montagne maestose, un lago tranquillo e tradimenti velenosi inghiottono una coppia sposata che tenta di celebrare l'anniversario di matrimonio.

Colin Minihan è un regista canadese con 5 o 6 film all'attivo e diverse collaborazioni.

Il primo film in cui mi ero imbattuto era qualcosa di quasi vergognoso di nome Extraterrestrial

uno dei quei film che lo guardi e ti fai il segno della croce sperando che il mestierante non metta più mano su una telecamera.

Così non è stato. Il film in questione è un indi per certi versi molto anomalo dove la trama seppur non così originale riesce ad entrare nella psiche dello spettatore e da lì in avanti il film riesce dalla sua a trovare diversi elementi d'interesse.

Una coppia di lesbiche, una casa nella montagna sperduta, una coppia di vicini che sembrano conoscere una di loro e tante domande e misteri che la scrittura riesce bene a dosare senza rivelare tutto se non nel climax finale, piazzando almeno due scene difficili da dimenticare ( per chi come me soffre di vertigini dovrà fare molta attenzione).

Una carneficina che viene affrontata e messa in scena in modo atipico, dove l'azione e la violenza ci sono, ma sembrano sempre secondari alla psicologia dei personaggi e al genere che il film sembra scegliere, un mix tra giallo e thriller.

Le protagoniste entrambe riescono a trasmettere con le loro paure e i disagi quelle sensazioni che reggono per tutto il film e l'apoteosi di cattiveria messa in atto da una di loro non sembra poi così forzata di questi tempi, ma anzi ricalca diversi fatti di cronaca recenti.

Un film molto lento, con tantissimi primi piani, dialoghi dosati e la macchina da presa sempre sul punto di farci vedere il crollo delle protagoniste, in una storia che piano piano s'intensifica mettendole faccia a faccia in un duello mortale.

Un film molto indipendente che come stile di narrazione e messa in scena mi ha ricordato un altro film sconosciuto e da vedere assolutamente per i fan del genere, ancora più bello, di nome Butter on the latch

Braven-Il coraggioso

Titolo: Braven-Il coraggioso

Regia: Lin Oeding

Anno: 2018

Paese: Canada

Giudizio: 2/5

Un taglialegna è costretto a difendere la sua famiglia da un pericoloso gruppo di trafficanti di droga.

Devo dire che non erano tanti i pretesti che mi hanno portato a vedere questo insulso film diretto da un mestierante qualsiasi tale Oeding.

C'era Momoa che di per sè non è proprio un motivo, visto che come attore è abbastanza incapace, tre/quattro espressioni al massimo, bensì Stephen Lang il co-protagonista, la location, il mood, insomma speravo che potesse esserci qualcosa. Così non è stato.

Braven è un caso anomalo di una storia che per quanto fagocitata in ogni maniera possibile e spesa in ogni location immaginabile, i boschi innevati del Canada, qui riesce ad avere nonostante tutto evidenti problemi di scrittura.

Ci sono un sacco di azioni inutili e momenti wtf, senza contare la marchetta a carhartt.

Nella prima parte alcune azioni dei personaggi non hanno alcun senso, soprattutto da quando padre e figlio vanno a rifugiarsi nella baita con il primo che dovrebbe comunicare al secondo di un ospizio visto che quest'ultimo và nei pub a combinare macelli e prendere ragazze sotto braccio scambiandole per l'ex moglie (ma chiunque lo picchierebbe malamente anche se è un vecchio).

Da lì in poi tutto viene strutturato come causa/effetto in modo direi sintetico e campato in aria, come se ad un certo punto, giunti nel bosco, abbiano fatto tutti (produzione e cast) una partita a nascondino in cui ognuno andava in una direzione diversa senza capire cosa capitava agli altri.

La maggior parte dei colpi di scena sono telefonati e l'happy ending finale è ridicolo quanto assolutamente e imprescindibilmente scontato. La famiglia americana non si tocca mai.

I personaggi compiono azioni che non hanno senso in tanti momenti.

La figlia di Momoa è incapace a recitare, il cattivo con lo stampino che uccide prima di fare qualsiasi cosa non ha senso, personaggi che nel bosco nei vari inseguimenti compaiono dal nulla. Momoa che ha pure dei "poteri" perchè avverte nell'aria il pericolo o in cinque minuti riesce a confezionare trappole meglio di McGuyver.

Lui e sua moglie essendo fighi non usano armi da fuoco, quasi mai. Lei l'arco e lui l'ascia (Bullet to the Head)

Insomma un casino colossale, ma dove sembra che sia stato addirittura inscenato apposta, perchè il budget c'era, il gruppo di cattivoni non dice niente di nuovo ma fa il suo dovere e poi ho trovato due o tre scene quasi copia/incolla da Warrior nei rapporti padre/figlio e marito/moglie.

Un disastro che si poteva prevenire ed evitare.

Trench 11

Titolo: Trench 11

Regia: Leo Sherman

Anno: 2017

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

Negli ultimi giorni della Prima Guerra Mondiale, un esperto di tunnel colpito da psicosi traumatica deve guidare una squadra alleata in una base tedesca nascosta … 100 metri sotto le trincee. I tedeschi hanno perso il controllo di un’arma biologica altamente contagiosa che trasforma le vittime in feroci assassini. Gli Alleati si ritrovano intrappolati sotterranei con orde di infetti, un’epidemia che si sta rapidamente diffondendo e una squadra di Assalitori tedeschi spediti lì per ripulire il disordine.

L'orrore della guerra ha ispirato nel corso degli anni diversi registi.

La metafora dell'orrore che si cela dentro bunker o a causa di esperimenti quasi sempre da parte dell'esercito tedesco è una peculiarità di questo sotto genere dell'horror.

Come nel film di Basset, Deathwatch, stessa epoca e stesse forze alleate, ma anche di Rob Green, Bunker(2001), Sherman cerca di fare qualcosa dove l'horror a differenza dei demoni interiori o delle suggestioni, diventa l'araldo su cui creare l'ennesima soluzione finale.

Il risultato è un esperimento terrificante e anche piuttosto originale quando penso all'orda dei soldati usati come una sorta di non-morti o infetti ma con connotati diversi grazie ad un'idea come dicevo piuttosto innovativa che strizza l'occhio a Cronemberg ma soprattutto al body horror con alcune scene splatter decisamente gustose e un'autopsia estemporanea visceralmente stimolante.

Un film che dopo una decina di minuti e giusto il tempo per elaborare il piano e trovare il gruppo di soldati ci catapulta verso un'intensità claustrofobica dove anche noi diventiamo bestie sotterranee. Un film che mischia tanti elementi, che ha visto molto cinema citando diverse pellicole e andandosi a piazzare tra le opere più interessanti degli ultimi anni sul tema war movie-horror-body horror-nazisti. Un film che a differenza di altri usciti negli ultimi anni che seguono più il filone d'intrattenimento, si prende maledettamente sul serio nella ricostruzione storica, nella scenografia e nel make-up, e le creature sembrano uscire proprio da uno di quei parti malati alla Cronemberg o compagnia simile.

Hollow child

Titolo: Hollow child

Regia: Jeremy Lutter

Anno: 2018

Paese: Canada

Giudizio: 2/5

Un gruppo di creature maligne attrae bambini nel bosco. Una ragazza fa di tutto per salvare la sorella.

Sarà che mi basta leggere creature maledette unito a bosco e perchè no folklore che qualcosa si accende e a tutti i costi devo confrontarmi con quell'opera che sia riuscita oppure no.

Hollow child fa un bello scivolone quando in realtà riusciva dalla sua a creare una bella atmosfera perlomeno nelle scene in casa o quando la sorella maggiore cerca la sorella minore.

I mostri o le creature praticamente non si vedono e il film vira tutto su un elemento che non digerisco molto bene ovvero la sorella che torna cambiata perchè qualcosa si è impossessato di lei.

Da qui ovviamente Samantha dal passato oscuro, passando da una casa-famiglia ad un’altra, è l'unica ad accorgersene assieme ad una pazza a cui hanno rapito la sorella anni prima. Un thriller che non entra mai veramente nell'horror bazzicandolo e annusandolo da lontano che quando ti porta nella loro tana in realtà non si prende nemmeno lo sforzo di osare qualcosa di più.

Rakka

Titolo: Rakka

Regia: Neil Blomkamp

Anno: 2017

Paese: Canada

Giudizio: 4/5

In un futuro distopico, gli alieni invadono la terra e si impongono sulla popolazione terrestre nel tentativo di controllarne le menti e ribaltare l’equilibrio del pianeta. Un gruppo di ribelli combatte l’invasione

Blomkamp dovrebbe continuare a fare di testa sua magari con studious e major pronti a dargli soldi a palate qualora servissero. L'idea dopo RAKKA continua a farsi spazio come di un artista sottovalutato con un talento enorme nel creare mostri e scenari post apocalittici.

Rakka è divino. C'è il massacro, la sopravvivenza, una nuova razza che sembra provenire dall'orrore cosmico e dalle pagine dei fumetti di Slaine, tanto sangue, assenza totale di ironia e il genere umano che si merita l'estinzione.

Il regista ha confermato che la Oats Studios - Volume 1 sarà composta da tre corti in totale, tutti della durata di 20-25 minuti: «L'obiettivo è capire se la gente sia interessata al progetto e voglia pagare per il Volume 2 in futuro» e la risposta mi pare abbastanza ovvia dopo i trascurabili Chappie

ed Elysium

Tra i tanti meriti bisogna annoverare quello di essere in grado di aver creato un universo alternativo funzionante e funzionale oltre che affascinate e di riuscire ad instillare negli spettatori la voglia di volerne sapere di più sperando in un continuum tra le storie che porti magari ad un'altra opera come DISTRICT 9.

Nova Seed

Titolo: Nova Seed

Regia: Nick DiLiberto

Anno: 2016

Paese: Canada

Giudizio: 4/5

Il mondo è minacciato dal diabolico dottor Mindskull e le forze di potere pianificano di fargli affrontare un feroce campione. Strappato da una sanguinosa arena di combattimento, l’uomo-leone Nac viene ammanettato e messo al servizio di chi governa. Dopo essere stato condotto in un deserto, Nac fugge ai suoi rapitori con il premio che tutti vorrebbero nelle loro mani. Nel frattempo, uno spietato cacciatore di taglie si mette sulle tracce di Nac, senza dargli tregua.

Nova Seed è un indie d'animazione alternativo e particolare.

Un film low-budget che ho avuto la possibilità di visionare grazie al sito Film per Evolvere (dateci un'occhiata è il vero paradiso dei nerd del cinema).

Il film ha qualcosa che non vedevo da tempo.

Una chimica nello sperimentare formule, personaggi grazie anche ad un montaggio fantastico e delle musiche indimenticabili. Tante le ispirazioni da Laloux a Jo Beom-jin, Luc Besson con il Quinto Elemento in particolare tantissimi altri film non si contano davvero in tutto il film.

In Nova Seed convivono e convergono un sacco di mondi e pianeti incastrandosi perfettamente e allineandosi mostrando così una galleria di personaggi e creature ammirevole.

L'animazione non è in c.g e non è delle più recenti ma ancora una volta risponde alla domanda che quando la storia è buona puoi mettere anche un'animazione posticcia e antiquata come avevano fatto all'inizio quei geni di South Park che tanto non andrai a rovinare nulla e la macchina continuerà a funzionare.

King Kong(2017)

Titolo: King Kong(2017)

Regia: Lo Xu-Ming Tong

Anno: 2017

Paese: Canada

Festival: Torino Underground Cinefest 5°edizione

Giudizio: 3/5

Eliza e suo fratello Damian vivono a Toronto con la madre. Dopo l'incidente di quest'ultima, i due ragazzi intraprendono un viaggio alla volta di Montreal per ricongiungersi col padre.

La storia è focalizzata su Eliza, una giovane teenager. Dovendosi prendere cura di suo fratello e del loro benessere, questo viaggio rappresenta per lei il primo passo nel mondo da donna indipendente carica di responsabilità.

Il corto canadese in questione improntato su temi sociali è uno spaccato sulle nuove generazioni. Appena adolescenti alcuni giovani adulti si ritrovano responsabilità e doveri che dovrebbero appartenere solo ai genitori. Il risultato può essere una bomba ad orologeria come Eliza che oltre a dover badare al fratello (come accadeva per il lungo indie sempre del festival di questa edizione HURRY SLOWLY) ha tutta una serie di irrisolti con il padre che la porteranno ad un climax finale potente e dinamico, un urlo disperato di quanto i ragazzi abbiano bisogno di essere visti e seguiti dai loro genitori soprattutto nei momenti più bui della propria vita.

King Kong è fortemente d'impatto dal punto di vista emotivo, crea per i suoi quasi venti minuti tutta l'atmosfera che andrà ad esplodere nel finale.

Les Affames

Titolo: Les Affames

Regia: Robin Aubert

Anno: 2017

Paese: Canada

Festival: 35°Torino Film Festival

Giudizio: 4/5

Un gruppo di sopravvissuti deve affrontare un'apocalisse zombie nelle campagne del Quebec, tra boschi, prati, e case isolate.

Les Affames è l'ennesimo film di zombie che racconta l'itinerario di un gruppo di sopravvissuti.

L'idea è praticamente quanto di più comune abbiamo visto negli ultimi anni e fin qui sembrerebbe un film come un altro se non fosse che Aubert sembra essersi studiato attentamente ogni inquadratura. Il ritmo nonchè l'azione divora letteralmente i protagonisti, gli zombie e gli spettatori. Con alcune leggere tamarrate come la mattanza di Celine che senza stare a spoilerare è pura adrenalina al femminile con un finale nel bosco che provocherà qualche lacrimuccia.

Les Affames più si narra e più assume contorni e intenti sempre più interessanti in primo luogo da un'atmosfera tesa e rarefatta, in cui sembra esserci sempre uno strato di nebbia come a lasciare tutto in uno stato di sospensione. Esistenzialista, grondante sangue e con livelli di gore molto alti, ad un tratto c'è un vero e proprio geiser di sangue, il film riesce come dicevo a non sembrare ripetitivo, visto il tema, non è un caso che sia canadese dal momento che molti registi indipendenti, soprattutto nell'horror post contemporaneo vengono proprio da quei territori inesplorati e intatti.

Dicevo che l'atmosfera ma anche il senso di sconforto prevale tra tutti, i dialoghi ridotti, il passato che non emerge se non da espressioni intrise e colme di sofferenza con diversi momenti costellati da battute sferzanti e intrise da un ferocissimo humour nero.

Il film ad un tratto, dal secondo atto in avanti, prende una piega vagamente surreale con i non morti che costruiscono un vero e proprio totem che ricorda quanto di più bello scritto dal sociologo francese Durkheim sull'argomento.

Crescent

Titolo: Crescent

Regia: Seth A.Smith

Anno: 2017

Paese: Canada

Festival: 35°Torino Film Festival

Giudizio: 3/5

Una casa grigia si erge isolata su una costa. Una donna sola e devastata dal dolore vi si è rifugiata con il suo bambino di due anni. Dipinge, cura il bambino, passeggia in riva al mare. Di notte, dall'acqua emergono figure minacciose che la chiamano. Incubi o fantasmi concreti di un passato non sepolto. Sospeso tra surrealismo lynchiano e orrore psicologico, un racconto tormentoso sulla fatica di vivere.

Quando sento che figure minacciose emergono dall'acqua penso all'orrore cosmico, ai fomori, Oannes oppure al bellissimo film di qualche anno fa al Tff e sempre nella sezione After Hours Evolution.

Crescent è un film d'atmosfera e di colori che si mischiano l'uno con l'altro per creare quelle contaminazioni che la protagonista cerca di portare avanti, in particolare la tecnica della marmorizzazione, tecnica di arte vista che ben si presta per sottolineare gli stati di sospensione spiritica dei protagonisti.

Una pausa. Un momento di riflessione per se stessi e per starsene in pace e tranquillità con il piccolo nascituro a poche ore dal funerale del marito/padre.

Ci sono luoghi però che richiamano il passato e soprattutto i fantasmi che esso provoca e in tutto ciò l'acqua, un certo tipo energia rilasciata dall'oceano, può ridare enfasi e vita a chi non c'è l'ha.

In tutto questo Beth cerca di dare una spiegazione ad alcuni strani e anomali eventi soprattutto di notte che la portano a diventare paranoica, sonnambula e mettere da parte il piccolo Lowen in quella che a tutti gli effetti risulta come un "limbo" che rischia di imprigionare le anime perse in attesa di raggiungere un luogo definitivo.

Proprio quando ci avviciniamo all'orrore che è però più legato all'inquietudine di aver paura che il bambino possa farsi del male da solo rispetto a Beth e alla ricostruzione di un passato/presente che si miscelano. Una contaminazione che proprio come i colori, trova in questa tecnica pittorica suggestiva che richiama tanto la video arte con alcuni eccessi di cura estetica davvero impressionanti oppure di questi strani ospiti tra cui una sorta di guardiano con una ghigna e una trasformazione finale funzionale e che richiama le creature degli abissi per non parlare dell'uomo pitturato o dell'uomo paguro.

Un film disturbante, minimale, che ripeto fa dei suoni e dell'atmosfera il suo punto di forza, rimanendo derivativo quando cerca di spiegare troppo o di svelare tutti coloro che emergono dall'acqua per una sorta di sacrificio finale.

Limina

Titolo: Limina

Regia: Joshua M. Ferguson

Anno: 2016

Paese: Canada

Festival: Divine Queer Film Festival

Giudizio: 3/5

Un* ragazz* gender-fluid di nome Alessandra che, guidat* da innocenza e intuizione, è curios*
della vita degli abitanti di una piccola città pittoresca che decidono di giocare un ruolo attivo nel
processo di lutto di una donna sconosciuta.

I canadesi come sempre sanno distinguersi per come affrontano alcune tematiche.

Limina, in concorso anch'esso, è notevole quanto estremamente particolare soprattutto per cercare di analizzare il punto focale del corto di '15. Una chiesa, una bambina gender straordinaria e sempre sorridente e il suo compito che metaforicamente potrebbe essere quello di custodire una candela che deve rimanere sempre accesa.

Con una fotografia tutta virata tutta verso il rosso e l'arancione e i colori accesi e autunnali, Alessandra scoprirà presto di avere uno scopo e un ruolo aiutando una donna che soffre a superare le difficoltà diventandone amica e facendosi custode dei suoi segreti.

Black Mountain Side

Titolo: Black Mountain Side

Regia: Nick Szostakiwskyj

Anno: 2014

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

Un thriller su un gruppo di archeologi che scopre una strana struttura nel nord del Canada, risalente a oltre 10 mila anni fa. La squadra si ritrova isolata quando i loro sistemi di comunicazione non funzionano e non molto tempo dopo cominciano a sentire gli effetti della solitudine.

L'esordio di questo regista dal nome impronunciabile è una bella sorpresa dal Canada che non smette mai di regalare alcune perle soprattutto nell'horror.

Black Mountain Side cerca di raccogliere vari elementi e tessere una trama sicuramente originale e interessante, attingendo dall'antropologia nuove specie viventi che sembrano essere esistiti millenni prima, cercando poi di inserire suddetto elemento con le caratteristiche dell'horror.

Diciamo subito che ci sono alcune importanti ispirazioni di cui la più grande e del maestro Carpenter è sicuramente LA COSA diventa subito l'elemento che più si assimila in quest'opera anche se più per le ambientazioni che non per le azioni dei personaggi. Azioni che purtroppo tendono ad essere come l'anima del film abbastanza derivative dove tra sospetti e tensioni il film ci mette parecchio prima di inserire la marcia e pur facendolo rimane comunque limitato per quanto concerne splatter, frattaglie e trasformazioni. Tutto si consuma nella casa senza troppi colpi di scena. L'elemento misterioso, ovvero la nuova civiltà scoperta, all'inizio, sembra innescare quel guizzo per cui magari ci troviamo di fronte a un'opera che sa scavare nel mito e nelle leggende per trovare materiale originale.

Però proprio su questa non riesce a dare quella spinta propulsiva che mi aspettavo parlando comunque di Inuit, perchè qua quello che viene risvegliato dai ghiacci e ben altra cosa che rimanda più per certi aspetti all'orrore cosmico di Lovecraft, negli ultimi anni sdoganato per fortuna con alcune buone e intense opere, dove le voci vengono sussurrate dall'entità risvegliata e la follia come sempre in questi casi avvolge tutti facendoli diventare cospiratori e carnefici.

Un film per certi versi a metà. Bastonato dalla critica e da molti blogger, diventa l'opposto di alcuni film horror più votati all'azione, anche LA COSA lo era, per prendere le giuste distanze e lavorare di suspance e dialoghi, non riuscendo sempre ad essere appagante nella sua messa in scena ma dimostrando un buon talento che lavora più di privazioni che di aggiunte.

Closet Monster

Titolo: Closet Monster

Regia: Stephen Dunn

Anno: 2015

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

Il film Closet Monster racconta la storia di Oscar Madly, un adolescente creativo e motivato che esita a diventare adulto. Destabilizzato dai suoi strani genitori, insicuro della sua sessualità, ossessionato delle immagini di un pestaggio di gay a cui ha assistito da piccolo, Oscar sogna di scappare dalla città che lo sta soffocando. Un criceto parlante, la sua immaginazione e la prospettiva di un amore, lo aiuteranno a confrontarsi con i suoi demoni surreali e a scoprire se stesso.

Closet Monster è quel tipico indie che non ti aspetti. Leggero, delicato, ma con un paio di scene che colpiscono per la loro originalità e intenti come ad esempio nel primo atto, l'addio tra la mamma e il bambino dove questo le sputa addosso e la reazione sempre del figlio verso il padre quando questo fruga nel suo guardaroba e il protagonista lo lascia a terra.

Senza contare poi l'incidente scatenante che provoca uno shock terribile in Oscar e della brutale immagine del pestaggio/stupro non si capisce esattamente cosa venga fatto alla vittima e dove la regia è attenta a non mostrare cosa succede.

Un divorzio. Una situazione difficile. Una coppia di genitori perfetta che sembrava amarsi per sempre e poi la dura verità. Una madre che lascia tutti in cerca di qualcos'altro.

Ed è qui che inizia il percorso verso la crescita che la storia decide di mettere da parte per arrivare con un guizzo temporale all'adolescenza. I timori e il viaggio alla ricerca di se stessi sono solo alcuni dei temi che Dunn alla sua opera prima mette in mostra per cercare di dare un quadro intimo e minimale sulla difficoltà e le fragilità che abbracciano un giovane in questa fase di scoperta.

La sessualità poi emerge forte facendo diventare il film verso la metà uno strano queer con una sua connotazione precisa, riuscendo a portare a casa delle sequenze molto interessanti e senza mai esagerare ma essendo provocatorio e intimista al punto giusto.

February

Titolo: February

Regia: Oz Perkins

Anno: 2015

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

In un austero college privato di matrice cattolica, due studentesse restano sole perché i rispettivi genitori non si sono presentati a prenderle per un periodo di sospensione delle lezioni. Una terza ragazza fragile e sbandata si è incamminata verso il college al freddo e al gelo e viene raccolta in macchina da una coppia di cinquantenni. Intanto, al college iniziano a manifestarsi strani comportamenti..

Ci metti un po all'inizio a capire chi sono le protagoniste e quali sono i diversi nomi dal momento che sembrano essere inizialmente tre poi quattro nella storia o nelle varie storie tutte comunque collegate. Un film praticamente tutto votato al silenzio, una camera e una regia pulita e molto autoriale che cita e ricorda tanto nostro cinema del passato e un'amore sconfinato per i classici.

Perkins ci mette un po a partire lasciando dilatati i tempi, ma non troppo, per scoprire chi lo popola, mostrarci questo college isolato, spettrale e labirintico, e alcuni personaggi a partire da Bill questa sorta di prete che si prende cura del destino della protagonista visto che le ricorda la figlia standole sempre col fiato sul collo ed entrando nella sua stanza quasi di soppiatto, il direttore Gordon personaggio molto enigmatico e criptico e infine un altro tipo in una rimesssa inginocchiato davanti ad un forno enorme che si mette a pregare Satana.

Pur non scoprendo le carte e lavorando molto sulla suspance, Perkins lavora tutto di sguardi, di primi piani, segue queste ragazze anche abbastanza simili nell'aspetto, almeno le due bionde, per questi corridoi vuoti e bui con una fotografia di ghiaccio che aumenta ancora di più questa sorta di limbo temporale in cui sembrano trovarsi tutti.

I personaggi rappresentano una copertura di quello che invece è una sorta di disegno malvagio e satanico di chi abita vicino a questa struttura e forse controllano una delle tre protagoniste rivelando in realtà chi si nasconde dietro questi personaggi (donne che hanno parrucche senza sopracciglia e tutto il resto). Con un sotto filone satanico con rimandi alla possessione, il film di Perkins, figlio del celebre attore, è sicuramente tra gli horror più importanti della stagione. 

Void

Titolo: Void

Regia: Jeremy Gillespie

Anno: 2016

Paese: Canada

Giudizio: 3/5

Nel bel mezzo di un giro di controllo di routine, l'ufficiale Daniel Carter si imbatte in una misteriosa figura intrisa di sangue in un tratto di strada deserto. Subito accompagna il giovane nel vicino ospedale, scoprendo che qui gran parte dei pazienti e del personale sta trasformandosi in creature ultraterrene. In poco tempo, i due si uniscono con altri due cacciatori, alla ricerca del responsabile di tutto. Ha inizio così per Carter un viaggio infernale nei sotterranei dell'ospedale in un disperato tentativo di porre fine a quell'incubo prima che sia troppo tardi.

The Void è un film horror maledettamente affascinante riuscito però solo a metà. Un omaggio al cinema sci-fi degli anni '70 e '80 condito da formidabili scene splatter e dal retrogusto "grindhouse".

Un film che scorre su più binari, mettendo in scena diversi personaggi, tutti in un'unica location, mischiando i generi e concentrandosi sulla spettacolarità e la suggestività delle immagini come accadeva per Baskin.

Entrambi hanno l'unica pecca di trovare una narrazione troppo macchinosa, in cui peraltro lo spettatore non si concentra e non si appassiona più di tanto per lasciarsi cullare dalle straordinarie creature e dal body horror che come in questo caso confeziona creature e tentacoli a gogò per dare luce ad un rituale che raggiunge il culmine in un'orgia gore devastante come capitava per il film di Evrenol.

Debitori di Cabal, Baskin e tutta una cosmologia fantascientifica suggestiva quanto apocalittica legata all'orrore cosmico.

The Void è stato scritto e diretto da Jeremy Gillespie e Steven Kostanski, entrambi membri del collettivo canadese Astron 6, fondato nel 2007 dallo stesso Gillespie insieme ad Adam Brooks. Astron 6 ci ha regalato una serie di pellicole che mischiano horror e humor impiegando toni sopra le righe: fra i titoli sfornati da questa compagnia di produzione voglio ricordare almeno Editor, Father's day ed'è stato prodotto da Cave Painting Pictures, una compagnia da portfolio pressoché inesistente, e JoBro Productions & Film Finance, che ha invece all’attivo alcuni titoli riguardanti il genere horror: Extraterrestrial e VVitch.

Cominciando in media res, Gillespie non perde molto tempo con le caratterizzazioni spingendo già l'acceleratore e inserendo il tema della gravidanza e delle nascite come concime per la trama.

L'assedio iniziale, il finale suggestivo, gli omaggi che rimangono scollegati lasciando sempre di più da parte l'originalità per puntare su scelte di fatto funzionali ma un pò ridondanti, sono solo alcuni degli ingredienti sfruttati nell'impianto narrativo.

Come esperimento esoterico rimane comunque un gioiellino da ammirare per tutti i fan del genere.

Heavy Metal

Titolo: Heavy Metal

Regia: Gerald Potterton

Anno: 1981

Paese: Canada

Giudizio: 4/5

Uno strano tipo d'astronauta torna a casa portando con sè il Loc-Nar, un piccolo meteorite verde. Appena varcato l'uscio di casa l'uomo viene polverizzato dal malefico meteorite davanti agli occhi dell'inerme figlioletta. Il Loc-Nar inizia così a raccontare le sue tremende vicissitudini alla bambina, affinché possano valere come lezione di vita sulle smanie di potere del genere umano.

Quando penso ad alcune pellicole storiche per quanto concerne l'animazione non posso non includere questo master di Potterton, il quale assieme a tante altre opere significative hanno saputo dare enfasi e spirito al genere. Heavy Metal poi senza nemmeno farlo apposta è un precursore nel suo viaggio spazio tempo a cercare storie e creare trame diverse anche se legate da un filo invisibile.

Tutto gode di una libertà, una magia e un'armonia che si respirava in alcuni periodi e che spesso con la c.g l'animazione moderna rischia di perdere.

Quando il film venne citato in un celebre episodio di SOUTHPARK mi resi conto che dovevo assolutamente vedere questa fondamentale perla che riesce a contaminare più generi dalla sci-fi uniti al fantasy e infine l'horror in modo molto equilibrato e suggestivo.

Il film è ispirato ad un celebre fumetto franco-canadese uscito nel 1974 di nome Metal Hurlant che tra l'altro potrebbe avere qualche analogia con il libro di Evangelisti Metallo Urlante, una raccolta di storie con tanti punti in comune.

A questo film tra l'altro collaborarono disegnatori come Moebius, Dan O'Bannon e Richard Corben mentre sulla soundtrack ci sono gruppi come i Black Sabbath, i Blue Oyster Cult e i Nazareth. Il film tra l'altro venne prodotto da un Ivan Reitman alle prime armi. Al di là della trama e di alcune storie che potranno sembrare ormai datate, il film mantiene un fascino e un'atmosfera davvero unica e potente in grado di restituire quella fama e rendere giustizia al lavoro che Potterton e soci meritano soprattutto inserendo alcuni sprazzi erotici che per il tempo non erano affatto scontati.

Bite

Titolo: Bite

Regia: Chad Arcibald

Anno: 2015

Paese: Canada

Giudizio: 2/5

Durante la sua "fuga" per l'addio al nubilato, la futura sposa Casey viene morsa da un insetto sconosciuto apparentemente innocuo. Dopo il ritorno a casa Casey è spaventata e tenta di rimandare il suo matrimonio, ma prima che lei sia in grado di farlo inizia una strana mutazione che mostra i tratti di un insetto. Tra la sua trasformazione fisica e la sua ansia per le nozze, Casey soccombe ai suoi nuovi istinti e inizia la creazione di un alveare che non solo ospita le sue uova traslucide, ma si nutre della carne di altri. Mentre la sua trasformazione diventa completa, Casey scopre che tutto può cambiare con un solo morso.

Il body horror continua a sfornare pellicole. Perchè piace come sotto genere dell'horror?

Semplice perchè parla di corpi. Ma non di corpi qualsiasi. Parla di corpi femminili come è capitato per quasi tutte le ultime pellicole senza però dimenticare che uno degli esempi di questo cinema è stato LA MOSCA di Cronemberg.

I risultati purtroppo non sono sempre appaganti come nel caso di Contracted a differenza invece di un Thanatomorphose

che fin da subito rivela tutt'altro spessore.

Quest'ultimo è il migliore finora. Vera perla dell'indie con pochissimi mezzi è stato in grado di farmi quasi vomitare ma allo stesso tempo riflettere riprendendo e attualizzando il tema della trasformazione.

Ora che sia una malattia sessualmente trasmissibile, il morso di un insetto, un'opera come metafora della marcescenza del corpo, tutto è funzionale affinchè si abbia l'incidente scatenante, la causa dell'epidemia e il focolare della mutazione fisica e mentale nonchè sociale.

Bite è interessante come combina le location in particolar modo la casa trasformandola in un nido dove nutrire le larve d'insetto.

Di nuovo la casa, come anche nel film di Falardeau, diventa il luogo dell'origine, della gestazione, della crescita.

"E' tutto iniziato con mia cognata che era tornata da un viaggio nella giungla del Guatemala, ed era coperta di diverse punture di insetto. Ogni anno migliaia di nuovi insetti vengono scoperti così ho pensato, -Wow, come fai a sapere che cosa ti ha morso?- e poi ho pensato, -Che cosa succederebbe se uno di quei morsi continuasse a peggiorare?-. Da qui l'idea è nata abbastanza facilmente. Ho iniziato a fare ricerca su come i vari insetti esotici si riproducono e sul loro istinto di conservazione. E' pazzesco e interessante."

Lost after dark

Titolo: Lost after dark

Regia: Ian Kessner

Anno: 2014

Paese: Canada

Giudizio: 2/5

Un gruppo di giovani in cerca di baldoria è preso di mira da un killer cannibale.

Lost after dark non ha motivo di essere ricordato.

Mi capita davvero di rado dimenticare una pellicola dopo pochi minuti e questo è purtroppo uno di quei casi. Riassumendolo alla veloce è uno slasher senza eccezioni sul genere che strizza l'occhio alla sterminata produzione anni '80.

Casa abbandonata, gruppo di idioti che il pubblico disprezzerà subito, gore a palate, il villain di turno che sembra un orco.

In uno schema consolidato e prestabilito come lo slasher o in questo caso un bruttissimo nome come retro-slasher, non ci sono molte scappatoie. Il guaio appunto è cercare di essere originali o sfruttare l'astuzia per non ripetersi nella banalità e nella totale prevedibilità.

Lost after dark purtroppo non ci riesce e nemmeno il contributo sprecato davvero di Robert Patrick serve a equilibrare la portata della posta in gioco.

Dello stesso anno sono usciti titoli molto più originali, ricchi di idee e interessanti come EDITOR o WOLF CREEK 2.

Les Loups

Titolo: Les Loups

Regia: Sophie Deraspe

Anno: 2015

Paese: Canada

Festival: 33°TFF

Giudizio: 2/5

Elie dalla città arriva su un'isola del mar Atlantico, tra i ghiacci, abitata da una comunità di pescatori e cacciatori di foche. Animalista e molto distante dalla rude semplicità dei locali, la ragazza a fatica comincia ad integrarsi.

Scoop e rivelazioni sul proprio passato senza una trama vera e propria, ma lasciando la sua protagonista a vagare per due ore cercando di trovare se stessa.

Questi due elementi intrecciandosi con una serie di personaggi e una comunità non molto ospitale, diventano i sigilli dell'ultimo film della Deraspe che rischia di venire travolto da una tormenta o finire in fondo ai ghiacci dal momento che la lentezza e la distribuzione dilatata ne sanciscono a tutti gli effetti i limiti, lasciando il pubblico imbarazzato, il quale dimenticherà la pellicola dopo pochi minuti fatta forse eccezione per la scena dell'uccisione della foca, così dannatamente reale, da far emergere alcuni dubbi.

Come ad esempio la posizione dell'autrice su questo abominio e su come sia schierata in merito.

I lupi sono coloro che scelgono una vita dura che non ammette leggerezze, altrimenti si paga con la vita e le rigide temperature non concedono scampo.

Così come non concede scampo la brutalità con cui questi cacciatori si pongono nei confronti delle loro prede, piccole foche indifese che sembrano dare a loro l'unica vera ragione di vita e di controllo, nonchè i forestieri, Elie in particolare, che sembra la pecora da spartire in mezzo al branco.

Da questo elemento e su altre scene decisamente riuscite come la festa e il parto, senza poi parlare delle fantastiche location. Eppure è il concentrato di colpi di scena finali che sinceramente lasciano il pubblico basito e sconcertato. L'autrice del Quebec deve provare a concentrarsi di più sul soggetto e la sceneggiatura altrimenti il rischio è troppo grande.

A Christmas Horror Story

Titolo: A Christmas Horror Story

Regia: AA,VV

Anno: 2015

Paese: Canada

Giudizio: 2/5

Bailey Downs, piccola cittadina canadese, la vigilia di Natale è tutt'altro che allegra. L'adolescente Molly porta due amici nelle viscere di un ex convento, dove un anno prima è avvenuto un orribile omicidio e dove le forze del male dimorano ancora. Caprice, amica di Molly, è in gita con la famiglia, quando si imbatte nel Krampus, l'anti-Babbo Natale. Scott, il poliziotto che indaga sul delitto del convento, con la moglie e il figlio va a recuperare un albero di Natale, finendo con il portare qualcosa di terribile nella loro abitazione. Nel frattempo, Santa Claus si impegna con tutte le proprie forze in una campale battaglia.

Santa Claus che si picchia di santa ragione con il Krampus è sicuramente un'immagine degna d'effetto e che richiama un certo interesse, se vogliamo "una lotta tra titani natalizia".

Purtroppo l'occasione di un film a episodi con una sceneggiatura che mischia cinque storie di cui tre principali, e purtroppo nessuna così esaltante, è il principale ostacolo che porta a mettere sotto un albero di Natale di sparuto e illuminato secondo la consueta tradizione, l'ultimo film del trio di registi che nella loro filmografia non hanno nulla che valga la pensa menzionare.

I Krampus potevano e dovevano essere raccontati un po di più, dal momento che erano l'unico elemento di rilievo del film, contando che anche il make up ha fatto il suo egregio lavoro e poteva essere sfruttato con scelte un po più ad effetto.

Diventa un film dove ogni tanto anche la regia sbanda, uno stile per certi versi televisivo al massimo e i climax abbastanza scontati a parte quello finale che secondo me cerca di prendersi una rivincita su quanto non ha saputo fare prima.

Ed è davvero un peccato perchè i film con tema natalizio non sono così tanti nell'horror, alcuni sfruttano degli elementi affascinanti scavando nell'entroterra culturale del proprio paese, vedi TRASPORTO ECCEZIONALE o più di genere come BLACK CHRISTMAS del '74.

Questo film di Natale proprio nel bisogno di inserire i più disparati elementi, cosa buona e giusta, si lascia dietro tutto il tono della narrazione, per cui vedere anche il Babbo che scassa di botte i compari folletti, perde di fascino rendendo una cornice che non riesce a stare in sintonia con la parete. Il bambino scambiato e i giovani nella casa che si perdono dietro i fantasmi sono forse gli episodi più brutti su cui potevano puntare.