L’étrange couleur des larmes de ton corps

Titolo: L’étrange couleur des larmes de ton corps

Regia: Helene Cattet

Anno: 2013

Paese: Belgio

Giudizio: 4/5

Una donna scompare. Il marito indaga sulle circostanze della sua sparizione…

All'apparenza leggendo questa sorta di log-line sembrerebbe la storia e la struttura narrativa più semplice del mondo. Però stiamo parlando del duo Cattet/Forzani, due nomi che forse ai più non diranno molto, ma che nel cinema indipendente e sperimentale hanno un certo peso dopo AMER.

Film particolarissimo con atmosfere e stili di regia complessi e in disuso. Una galleria di citazioni che faranno godere gli amanti del neo-gotico italiano e dei vari Fulci e Argento.

L'indagine che fa da sfondo in questo thriller psichedelico è assurda quanto impossibile da decifrare del tutto e ancor più da raccontare. Il viaggio allucinato all'interno di questo palazzo, l'inferno, dove personaggi si alternano in un vortice sempre più angosciante e stralunato, sembra uscire dalle menti e dagli incubi malati di Polanski e Lynch. Sicuramente L’étrange couleur des larmes de ton corps ha una sorta di orizzonte più lineare rispetto alla pellicola precedente, infatti pur non negando la narrativa classica, ci riporta continuamente in un mondo surreale e straniante concentrato quasi del tutto sull’aspetto visivo, la fotografia, i frame particolareggiati e il montaggio.

Il problema è quando si inizia a mettere assieme i pezzi dopo un ora abbondante, in cui cominci, preso dal fascino delle inquadrature, a non capire più nulla di chi è l'assassino, dei dubbi dell'investigatore e della tenacia del marito.

Alla fine quello che lo spettatore si domanda rapito dalle immagini e proprio l'interesse a sapere chi è il colpevole, a svelare le trame del rapimento o del delitto. L'incidente scatenante comunque ricorda tantissimo il primo racconto poliziesco di Edgar Allan Poe "I delitti della Rue Morge" che al tempo fu una novità assoluta per tempi, modi e idee. E sì perchè come nel racconto del maestro del brivido, anche lì l'appartamento era chiuso dall'interno creando immediatamente un'ambientazione e un interrogativo di immediato interesse.

Io, Daniel Blake

Titolo: Io, Daniel Blake

Regia: Ken Loach

Anno: 2016

Paese: Gran Bretagna

Giudizio: 4/5

Newcastle. Daniel Blake è sulla soglia dei sessant'anni e, dopo aver lavorato per tutta la vita, ora per la prima volta ha bisogno, in seguito a un attacco cardiaco, dell'assistenza dello Stato. Infatti i medici che lo seguono certificano un deficit che gli impedisce di avere un'occupazione stabile. Fa quindi richiesta del riconoscimento dell'invalidità con il relativo sussidio ma questa viene respinta. Nel frattempo Daniel ha conosciuto una giovane donna, Daisy, madre di due figli che, senza lavoro, ha dovuto accettare l'offerta di un piccolo appartamento dovendo però lasciare Londra e trovandosi così in un ambiente e una città sconosciuti. Tra i due scatta una reciproca solidarietà che deve però fare i conti con delle scelte politiche che di sociale non hanno nulla.

Commovente. Io, Daniel Blake parla di Dignità e di diritti, di rispetto, empatia, amore per la vita e tanto altro ancora.

L'ultimo film di Loach, paladino del cinema sociale inglese, è la summa della critica ad un sistema burocratico ormai inetto e superato, un inno di ribellione ai tagli alla spesa sociale, dove gli stessi funzionari che debbono applicarli si rendono conto della crudeltà e delle regole che debbono applicare schierandosi anche loro dalla parte delle istituzioni dimenticando la componente umana e lasciando nuclei e persone anziane in mezzo ad una strada.

Un altro film manifesto, per certi versi anarchico e potente che come un termometro misura la complessità del welfare (o ciò che ne è rimasto) diventando un inno alla ribellione allora dal basso, da un anziano che non si arrende ma che capisce come la pazienza e allo stesso tempo la rabbia diventano gli unici strumenti per farsi avanti e chiedere aiuto senza vergogna.

L'io del cittadino non si può mettere a tacere in nessuno modo. Solo con la morte. Si può provare con la burocrazia, con la chiusura mentale e politica, con le forze dell'ordine, con le minacce e le ritorsioni ma qui un'altra lezione che il regista ci insegna e quella proprio di non sottovalutare la componente umana. Allora quell'io cittadino quando diventa il grido di tanti, organizzati e con le idee chiare riesce a diventare uno strumento nelle mani del popolo. Un grande messaggio in una società capitalista e consumista che sembra aver perso la maggior parte dei valori.

Cosmos

Titolo: Cosmos

Regia: Andrzej Żuławski

Anno: 2015

Paese: Francia

Giudizio: 4/5

Witold non ha superato gli esami di diritto e Fuchs si è appena licenziato da una società di moda parigina. I due vanno a trascorrere qualche giorno in una pensione familiare dove si imbattono in un inquietante presagio: un passerotto impiccato nel bosco. Witold si innamora della giovane proprietaria che però si scopre essere da poco sposata con un rispettabile architetto. Un’altra impiccagione, quella del gatto, è opera di Witold. Perché? E soprattutto: la prossima vittima sarà un essere umano?

"Cosmos è una notevole metafora atemporale sulla confusione dei segni che incrociamo ‘lungo la selva oscura’ di questo nostro mondo "

Sicuramente non è semplice l'ultimo film di Zulawski dopo quindici anni di inattività.

Sono tanti i motivi al di là di una messa in scena impeccabile che spesso e volentieri distrae dalla trama, che rendono il film complesso e con una mancanza di linearità narrativa che inserisce il film in quei filoni filosofici costellati da monologhi e una cascata di citazioni.

Da Bunuel a Polanski passando per Bertolucci e continuando con la letteratura inserendo Dante e Sartre, Chaplin e Pasolini, Star Wars e Shakespeare, il fantasma di Amleto, Tintin e naturalmente lo stesso Gombrowicz autore del romanzo da cui è tratto il film, sono davvero tanti gli spunti e i riferimenti che vengono rispolverati.

Un film enormemente complesso quanto affascinante, in cui la realtà si trasforma, gli stessi avvenimenti sembrano succedersi e rincorrersi in una dimensione onirica e grottesca in cui l'atmosfera che si viene a creare diventa uno dei punti chiave della riuscita del film.

Un film che si costruisce a fasi come la sceneggiatura che alla fine Wintold compone dopo aver messo da parte i libri per poi passare al racconto e infine al romanzo da cui trarrà il testo.

Un film nel film, quasi una testimonianza del regista, un suo guardarsi al passato, a tutto ciò che lo ha ispirato partendo proprio dal dialogo inziale con la citazione della Divina Commedia.

Un film che per forza di cose va rivisto svariate volte per comprenderne appieno il senso e tutte le sue sfaccettature.

A Blast

Titolo: A Blast

Regia: Syllas Tzoumerkas

Anno: 2014

Paese: Grecia

Giudizio: 3/5

Maria è madre di tre bambini, avuti da un marinaio di cui è sinceramente innamorata, sorella di una donna con problemi mentali sposata ad un simpatizzante dell'estrema destra, figlia di un'anziana paraplegica e di un padre con poco polso. I problemi finanziari della famiglia, proprietaria di un'attività commerciale e di pochi immobili, vanno di pari passo con il suo crollo psicologico. Ancora meglio, potrebbero esserne la causa.

Dalla crisi greca in avanti il cinema non ha potuto per fortuna non esprimersi su un tumore così grande e diffuso che si è espanso per tutto il paese legato alla crisi prima morale poi europea.

I registi e il cinema (neo)realista greco hanno prodotto svariati film tutti in un qualche modo riconducibili con lo scopo di registrare la temperatura del paese, chi a 360°, chi invece concentrandosi su un nucleo familiare.

Tzoumerkas si cimenta anche lui portando un ritratto di una famiglia medio borghese ormai caduta in disgrazia. Il dramma è ovviamente quello della recessione, dello strozzamento fiscale, della peste nera economica che ha mietuto vittime di ogni genere e che andrà ad intaccare l’impresa di famiglia. Dunque puntando il dito verso i mali del paese il film si concentra su Maria spostando su di lei e mettendole sulle spalle una croce enorme, una metafora della "questione" greca, raccontando la storia attraverso lei di una crisi familiare in cui pubblico e privato si confondono in un malessere esistenziale che diventa tragedia e in cui per la protagonista la fame di sesso, che è quasi ribellione e voglia di sentirsi viva, diventa uno degli unici elementi in cui rifugiarsi nel privato come nel pubblico come la scena nell'internet caffè, in cui Maria guarda video porno circondata dallo sguardo esterafatto della congrega maschile.

Significativa di un individualismo sfrenato, che alla luce di quanto sembra dirci il regista, rimane l'unica forma di difesa nei confronti dell'orrore del tempo presente.

A livello tecnico il film è molto interessante, la struttura narrativa procede in maniera sincopata, e con inversioni temporali tra passato e presente che destabilizzano il pubblico.

Pulsar

Titolo: Pulsar

Regia: Alex Stockman

Anno: 2010

Paese: Belgio

Giudizio: 3/5

Samuel vive a Bruxelles, dove esegue consegne di prodotti farmaceutici. La sua ragazza, Mireille, parte per assolvere uno stage a New York, in un prestigioso studio di architettura. Poco dopo la sua partenza, il computer di Sam viene preso di mira da un hacker. Tutti i tentativi per proteggere la sua rete wireless falliscono, l'hacker misterioso sembra intenzionato a mandare a rotoli la sua vita e la sua relazione con la bella Mireille. Scatta la mania persecutoria. Sam comincia a sospettare di tutti i vicini, le onde WiFi diventano la sua ossessione... Amore, paranoia e una coppia di innamorati divisi da un oceano e persi nella rete.

Il film di Stockman è un indie di pregevole fattura che si occupa di parlare di un problema noto a tutti ma che il cinema ha mostrato poco.

Il mondo della rete può fare paura e costringere a sviluppare una lenta paranoia e angoscia che può arrivare a chiuderti tra le quattro mura di casa.

I pericoli della rete come l’attacco degli hacker, le invasioni della privacy, sono ancora più terribili per il semplice fatto che non si sa chi sia il nemico o colui che sta agendo contro di noi.

Samuel cerca di mantenere la calma e il sangue freddo ma quando i messaggi rivolti a Mireille cominciano ad essere inopportuni e volgari, Samuel prenderà una decisione.

Pulsar è molto attuale e tratta un problema che potrebbe capitare a chiunque in quest'epoca post-contemporanea super hi-tech in cui si rimane incollati agli schermi senza guardare in faccia chi si ha di fronte. Ed è anche una bella prova di regia che senza spettacolizzare la materia e i contenuti riesce in modo moderato e minimale a creare lo stesso effetto claustrofobico dentro le mura di casa e sfruttando pochi elementi in modo più che mai funzionale.

Keeper

Titolo: Keeper

Regia: Guillaume Senez

Anno: 2015

Paese: Belgio

Festival: TFF 33°

Giudizio: 4/5

Maxime è un adolescente di quindici anni, figlio di genitori separati conduce una vita simile a quella dei suoi coetanei ed è innamorato di Mélanie. La gravidanza della ragazza complicherà il rapporto tra i due, ma il modo in cui Senez si avvicina al loro cambiamento segue il movimento della scoperta senza ricorrere alle forzature di un racconto che deve spiegarci ogni snodo.

Keeper è un portiere ma anche colui che sa custodire.

Il film vincitore del 33°TFF è un'opera intensa, potente, con una tema abusato ma attuale, capace come sempre di dimostrare come basti avere i numeri e saper descrivere in modo approfondito un concetto per confezionare un'opera realistica e drammatica.

Speranze e illusioni sembrano le frasi di fondo che emergono dalla differenza tra sogno e realtà dei due protagonisti. Illusioni in una società in cui i calciatori e i portieri godono di fama mondiale e il grande sogno sembra apparentemente alla portata di tutti per dare una vita adagiata e senza nesusn tipo di problema.

Ma la realtà è un'altra e allora Maxime, complice una famiglia sensibile che accoglie e si interessa ai problemi dei figli, cerca di trovare un'ancora di salvezza ad un disagio che sembra colpire in particolar modo Melanie e una madre che come lei ha commesso gli stessi "errori".

Poprio quegli errori e i dubbi impediscono purtroppo di tener fede ai propri intenti, soprattutto il lavaggio del cervello della madre di Melanie alla figlia, diventando ad un certo punto molto frustrante.

Keeper è privo di morale e non cerca minimamente di darne una, smarcandosi continuamente e intessendo tutta una serie di dubbi e scelte morali che appartengono al pubblico come ai genitori e gli stessi protagonisti.

Un film molto autoriale con un reparto tecnico e alcune inquadrature che sembrano quel cinema veritè dei fratelli Dardenne e di tutto un neorealismo belga moderno e mai stucchevole che non cerca mai di stupire ma in grado invece di regalare uno spaccato di realtà intenso.

Keeper abbandona la retorica della finzione e del linguaggio fasullo per diventare uno spaccato del presente e di come realmente non esistono happy-ending forzati ma anzi una spinta verso quell'insicurezza e paura, da entrambe le parti, che alle volte porta alla scelta più dolorosa ma necessaria.

Monsieur Lazhar

Titolo: Monsieur Lazhar
Regia: Philippe Falardeau
Anno: 2011
Paese: Canada
Giudizio: 4/5

In una scuola elementare di Montreal un'insegnante muore tragicamente. Avendo letto la notizia sul giornale, Bachir Lazhar, un immigrato algerino di 55 anni, si presenta nella scuola per offrirsi come supplente. Immediatamente assunto per sostituire la maestra scomparsa, si ritrova in una scuola in crisi mentre è costretto ad affrontare un dramma personale. Poco a poco Bachir impara a conoscere il suo gruppo di bambini scossi ma attenti. Mentre la classe inizia il processo di guarigione, nessuno nella scuola è a conoscenza del passato doloroso di Bachir; nessuno sospetta che è a rischio espulsione dal paese in qualsiasi momento...

L'elemento che ho molto apprezzato del secondo film del giovane e promettente Falardeau, è lo sguardo diverso e raffinato con cui coglie il rapporto tra un professore e i suoi studenti, elemento evidenziato dalle diverse connotazioni culturali, e la personalità davvero insolita e nuova del suo intenso protagonista.
Bachir sembra quasi un filosofo, attento alla natura umana dei rapporti sociali e a domandare e domandarsi, proprio ponendo riflessioni morali su temi spesso angosciosi, come l'incidente scatenante del film o a scoprire le componenti del bullismo o delle tensioni che emergono nelle aule anche per i più futili motivi.
La solitudine familiare, l'approccio autorevole nei confronti degli studenti, senza mai dimostrare esitazione, l'attenta presa in carico del suo lavoro e le nutrite relazioni del professore, delinenano anche quell'importanza cruciale che sembra spesso svanire nelle nostre scuole, il più delle volte perchè non vi è la possibilità, e i professori sommersi dalla burocrazia e dagli impegni molteplici non riescono a gestire.
L'empatia con cui Bachir cerca di portare una cura al dolore e alla sofferenza della perdita, resta una delle scene più commoventi e importanti del film.

Wrong Cops

Titolo: Wrong Cops

Regia: Quentin Dupiex aka Mr Oizo
Anno: 2013
Paese: Usa
Festival: TFF 32°
Giudizio: 3/5

In una Los Angeles immaginaria un gruppo di poliziotti si concede ogni tipo di licenza, spacciando droga o estorcendo prestazioni sessuali attraverso il ricatto. In un mondo in cui la legge non esiste e le regole del buonsenso sono ribaltate, è possibile trovare una borsa di denaro in cortile o incontrare un poliziotto che cerca disperatamente di sfondare nel mondo della musica elettronica.

Ci sono due elementi davvero emblematici nell'ultimo film del dj Mr Oizo.

Il primo è la musica. Totale. Assoluta.Travolgente, malata, disturbante e in parte angosciante. Dall'altra lo humor nero e alcuni dialoghi che sembrano usciti da qualcosa che sembrava essersi perso nel tempo, un ritmo allucinato e suggestivo, mai pacchiano ma weird in toto.
Devo dire che alla prima visione al Tff rimasi in parte deluso, soprattutto contando che non amavo particolarmente Mr Oizo dopo il deludente RUBBER, ma qui ci troviamo di fronte a tutt'altra cosa, un film che sembra unire la Troma a Meyer e Waters e altri richiami che non sto a citare creando quasi un continuum con la tradizione dell'exploitation, in questo caso francese.
C'è una scena che basta da sola a determinare l'esito del film e la sua "serietà", ovvero quando la strana coppia formata da un poliziotto con una benda alla Lady Gaga e una passione insana per la techno e un moribondo interessato più al groove perfetto che a sopravvivere, tentano invano di farsi produrre un loro brano da un produttore discografico.
In quella scena è racchiusa tutta la summa del cinema di Dupiex, quindi prendere o lasciare.
Io pensavo di lasciare, ma dalle risate che mi sono fatto, direi che a questo punto prendo.